толковариум
Введите интересующую фразу в строку поиска и нажмите на ячейку, чтобы прочитать её значение
Норман Фостер — известный архитектор из Великобритании,
родился 1 июня 1935 года в семье рабочих. Детство мальчика
прошло в Манчестере, в возрасте 18 лет он поступил на службу
в королевские ВВС. Затем учился на архитектора в родном городе
и в Йельском университете в Штатах. В 1967 году архитектор
открывает собственное бюро. Яркий представитель стиля хай-тек.
Его работам свойственны масштабные открытые пространства,
обилие стекла и металла, многофункциональность. При этом
проекты отличаются изысканным вниманием к деталям. Здания
Фостера два раза получали престижную награду имени Стерлинга.
Фостер уделяет большое внимание инновационным технологиям энергосбережения.
Он старается по максимуму использовать неисчерпаемые природные ресурсы в виде солнечного света и воздуха. Именно поэтому его проекты отличаются наличием больших открытых пространств и умными системами, которые сами регулируют потоки света, экономя электроэнергию.
Фостер получил Золотую медаль RIBA в 1983 году и награду AIA в 1994 году, в 1990 году стал баронетом, а в 1999 — пожизненным пэром с титулом Baron Foster of Thames Bank. В том же году он стал лауреатом Притцкеровской премии.
родился 1 июня 1935 года в семье рабочих. Детство мальчика
прошло в Манчестере, в возрасте 18 лет он поступил на службу
в королевские ВВС. Затем учился на архитектора в родном городе
и в Йельском университете в Штатах. В 1967 году архитектор
открывает собственное бюро. Яркий представитель стиля хай-тек.
Его работам свойственны масштабные открытые пространства,
обилие стекла и металла, многофункциональность. При этом
проекты отличаются изысканным вниманием к деталям. Здания
Фостера два раза получали престижную награду имени Стерлинга.
Фостер уделяет большое внимание инновационным технологиям энергосбережения.
Он старается по максимуму использовать неисчерпаемые природные ресурсы в виде солнечного света и воздуха. Именно поэтому его проекты отличаются наличием больших открытых пространств и умными системами, которые сами регулируют потоки света, экономя электроэнергию.
Фостер получил Золотую медаль RIBA в 1983 году и награду AIA в 1994 году, в 1990 году стал баронетом, а в 1999 — пожизненным пэром с титулом Baron Foster of Thames Bank. В том же году он стал лауреатом Притцкеровской премии.
Норман Фостер — известный архитектор из Великобритании, родился 1 июня 1935 года в семье рабочих. Детство мальчика прошло в Манчестере, в возрасте 18 лет он поступил на службу в королевские ВВС. Затем учился на архитектора в родном городе и в Йельском университете в Штатах. В 1967 году архитектор открывает собственное бюро. Яркий представитель стиля хай-тек. Его работам свойственны масштабные открытые пространства, обилие стекла и металла, многофункциональность. При этом проекты отличаются изысканным вниманием к деталям. Здания Фостера два раза получали престижную награду имени Стерлинга.
Фостер уделяет большое внимание инновационным технологиям энергосбережения. Он старается по максимуму использовать неисчерпаемые природные ресурсы в виде солнечного света и воздуха. Именно поэтому его проекты отличаются наличием больших открытых пространств и умными системами, которые сами регулируют потоки света, экономя электроэнергию.
Фостер получил Золотую медаль RIBA в 1983 году и награду AIA в 1994 году, в 1990 году стал баронетом, а в 1999 — пожизненным пэром с титулом Baron Foster of Thames Bank. В том же году он стал лауреатом Притцкеровской премии.
Фостер уделяет большое внимание инновационным технологиям энергосбережения. Он старается по максимуму использовать неисчерпаемые природные ресурсы в виде солнечного света и воздуха. Именно поэтому его проекты отличаются наличием больших открытых пространств и умными системами, которые сами регулируют потоки света, экономя электроэнергию.
Фостер получил Золотую медаль RIBA в 1983 году и награду AIA в 1994 году, в 1990 году стал баронетом, а в 1999 — пожизненным пэром с титулом Baron Foster of Thames Bank. В том же году он стал лауреатом Притцкеровской премии.
Самые известные проекты
Башня Мэри-Экс 30, Лондон
Небоскрёб «Хёрст-тауэр», США
Штаб-квартира APPLE, США
Торговый центр «Хан Шатыр», Казахстан
Русская медная компания, Екатеринбург
Отель Mriya Resort & Spa, Крым
Сити-Холл, Лондон
Небоскрёб Торре Каха, Мадрид
Мост Миллениум, Лондон
Клайд-Аудиториум, Глазго
Стадион «Уэмбли», Великобритания
Мост Миллениум, Лондон
Антонио Гауди родился в Таррагоне в 1852 году, в портовом городе
на северо-востоке Испании. Гауди — каталонский архитектор
и величайший представитель каталонского модернизма.
В отличие от других архитекторов своего поколения, Антонио —
создатель одних из самых красивых сооружений Барселоны,
которые привели его к мировой известности. Революционные
идеи Антонио Гауди изменили мир модернизма и архитектуру
в целом. Он проектировал яркие, оригинальные и инновационные
здания, вдохновляясь в основном природой. Стиль, в котором
творил Гауди, относят к модерну. Однако фактически в своём
творчестве он использовал элементы самых различных стилей,
подвергая их творческой переработке. Гауди рассматривал
архитектуру как многофункциональный дизайн, в котором каждая деталь должна быть гармонично выполнена и хорошо пропорциональна. Он проектировал не только здания, но и необычную мебель, причудливые решётки оград, ворот и перил. Его творчество выходило за рамки общепринятого модернизма, достигая кульминации в органическом стиле, вдохновленном природными формами. Гауди редко делал подробные чертежи своих работ, предпочитая вместо этого создавать их в виде трехмерных масштабных макетов и воплощать детали по своему замыслу.
Антонио Гауди встретил Эусеби Гуэля, который впоследствии стал его главным спонсором и хорошим другом, во время участия в Парижской всемирной выставке 1878 года.
Благодаря Гуэлю Антонио Гауди получил заказ на реализацию важных проектов в Барселоне, включая Sagrada Família и Park Güell, которые считаются его великими работами. Он также разработал La Pedrera, Casa Batlló, Casa Vicens, Casa Calvet или уличные фонари в Plaça Reial.
Творения Гауди пользуются всемирной популярностью и по сей день вызывают восхищение и изучаются архитекторами. Его шедевр, до сих пор незавершенный собор Святого Семейства, является самым посещаемым памятником в Испании. В период с 1984 по 2005 год семь его работ были объявлены объектами Всемирного наследия по решению ЮНЕСКО. Вера в католицизм, которой придерживался Гауди, укрепилась в течение всей его жизни, и религиозные мотивы присутствуют во многих его работах. Благодаря этому он получил прозвище «Архитектор Бога». Его дело о канонизации было открыто в архиепископстве Барселоны в 2003 году.
на северо-востоке Испании. Гауди — каталонский архитектор
и величайший представитель каталонского модернизма.
В отличие от других архитекторов своего поколения, Антонио —
создатель одних из самых красивых сооружений Барселоны,
которые привели его к мировой известности. Революционные
идеи Антонио Гауди изменили мир модернизма и архитектуру
в целом. Он проектировал яркие, оригинальные и инновационные
здания, вдохновляясь в основном природой. Стиль, в котором
творил Гауди, относят к модерну. Однако фактически в своём
творчестве он использовал элементы самых различных стилей,
подвергая их творческой переработке. Гауди рассматривал
архитектуру как многофункциональный дизайн, в котором каждая деталь должна быть гармонично выполнена и хорошо пропорциональна. Он проектировал не только здания, но и необычную мебель, причудливые решётки оград, ворот и перил. Его творчество выходило за рамки общепринятого модернизма, достигая кульминации в органическом стиле, вдохновленном природными формами. Гауди редко делал подробные чертежи своих работ, предпочитая вместо этого создавать их в виде трехмерных масштабных макетов и воплощать детали по своему замыслу.
Антонио Гауди встретил Эусеби Гуэля, который впоследствии стал его главным спонсором и хорошим другом, во время участия в Парижской всемирной выставке 1878 года.
Благодаря Гуэлю Антонио Гауди получил заказ на реализацию важных проектов в Барселоне, включая Sagrada Família и Park Güell, которые считаются его великими работами. Он также разработал La Pedrera, Casa Batlló, Casa Vicens, Casa Calvet или уличные фонари в Plaça Reial.
Творения Гауди пользуются всемирной популярностью и по сей день вызывают восхищение и изучаются архитекторами. Его шедевр, до сих пор незавершенный собор Святого Семейства, является самым посещаемым памятником в Испании. В период с 1984 по 2005 год семь его работ были объявлены объектами Всемирного наследия по решению ЮНЕСКО. Вера в католицизм, которой придерживался Гауди, укрепилась в течение всей его жизни, и религиозные мотивы присутствуют во многих его работах. Благодаря этому он получил прозвище «Архитектор Бога». Его дело о канонизации было открыто в архиепископстве Барселоны в 2003 году.
Антонио Гауди родился в Таррагоне в 1852 году, в портовом городе на северо-востоке Испании. Гауди — каталонский архитектор и величайший представитель каталонского модернизма. В отличие от других архитекторов своего поколения, Антонио —создатель одних из самых красивых сооружений Барселоны, которые привели его к мировой известности.Революционные идеи Антонио Гауди изменили мир модернизма и архитектуру в целом. Он проектировал яркие, оригинальные и инновационные здания, вдохновляясь в основном природой. Стиль, в котором творил Гауди, относят к модерну. Однако фактически в своём творчестве он использовал элементы самых различных стилей, подвергая их творческой переработке. Гауди рассматривал архитектуру как многофункциональный дизайн, в котором каждая деталь должна быть гармонично выполнена и хорошо пропорциональна. Он проектировал не только здания, но и необычную мебель, причудливые решётки оград, ворот и перил. Его творчество выходило за рамки общепринятого модернизма, достигая кульминации в органическом стиле, вдохновленном природными формами. Гауди редко делал подробные чертежи своих работ, предпочитая вместо этого создавать их в виде трехмерных масштабных макетов и воплощать детали по своему замыслу.
Антонио Гауди встретил Эусеби Гуэля, который впоследствии стал его главным спонсором и хорошим другом, во время участия в Парижской всемирной выставке 1878 года. Благодаря Гуэлю Антонио Гауди получил заказ на реализацию важных проектов в Барселоне, включая Sagrada Família и Park Güell, которые считаются его великими работами. Он также разработал La Pedrera, Casa Batlló, Casa Vicens, Casa Calvet или уличные фонари в Plaça Reial. Творения Гауди пользуются всемирной популярностью и по сей день вызывают восхищение и изучаются архитекторами. Его шедевр, до сих пор незавершенный собор Святого Семейства, является самым посещаемым памятником в Испании. В период с 1984 по 2005 год семь его работ были объявлены объектами Всемирного наследия по решению ЮНЕСКО. Вера в католицизм, которой придерживался Гауди, укрепилась в течение всей его жизни, и религиозные мотивы присутствуют во многих его работах. Благодаря этому он получил прозвище «Архитектор Бога». Его дело о канонизации было открыто в архиепископстве Барселоны в 2003 году.
Антонио Гауди встретил Эусеби Гуэля, который впоследствии стал его главным спонсором и хорошим другом, во время участия в Парижской всемирной выставке 1878 года. Благодаря Гуэлю Антонио Гауди получил заказ на реализацию важных проектов в Барселоне, включая Sagrada Família и Park Güell, которые считаются его великими работами. Он также разработал La Pedrera, Casa Batlló, Casa Vicens, Casa Calvet или уличные фонари в Plaça Reial. Творения Гауди пользуются всемирной популярностью и по сей день вызывают восхищение и изучаются архитекторами. Его шедевр, до сих пор незавершенный собор Святого Семейства, является самым посещаемым памятником в Испании. В период с 1984 по 2005 год семь его работ были объявлены объектами Всемирного наследия по решению ЮНЕСКО. Вера в католицизм, которой придерживался Гауди, укрепилась в течение всей его жизни, и религиозные мотивы присутствуют во многих его работах. Благодаря этому он получил прозвище «Архитектор Бога». Его дело о канонизации было открыто в архиепископстве Барселоны в 2003 году.
Самые известные проекты
Дом Гуэль в Барселоне, Испания
Храм Святого семейства в Барселоне, Испания
Дом Бальо в Барселоне, Испания
Дом Висенс в Барселоне, Испания
Дом Мила в Барселоне, Испания
Парк Гуэль в Барселоне, Испания
Башня Бельесгуард, Испания
Дом Гуэль в Барселоне, Испания
Дом Мила в Барселоне, Испания
Парк Гуэль в Барселоне, Испания
Вальтер Адольф Георг Гропиус (нем. Walter Adolph Georg Gropius,
18 мая 1883, Берлин — 5 июля 1969, Бостон) — немецкий
архитектор, один из основателей и директор Баухауса, теоретик
архитектуры и дизайна, выдающийся художник-педагог.
Один из центральных представителей интернационального стиля.
Градостроительством занимались его дед и отец. Вальтер пошёл
по их стопам и поступил в Берлинскую высшую техническую
школу на архитектора.
Карьеру Гропиус начал с работы ассистентом в бюро
Петера Беренса. Там он узнал современные методы
строительства, освоил новые материалы — в начале XX века
стали активно использовать бетон, железо, стекло. В 1910 году Вальтер Гропиус создал собственное бюро совместно с архитектором Адольфом Мейером. Примерно в этот же период начинающий специалист познакомился с Ле Корбюзье, Мис ван дер Роэ. В дальнейшем все они стали главными популяризаторами функционализма в архитектуре.
Параллельно с работой Гропиус изучал методы строительства, потребности людей и сформировал свой взгляд на архитектуру: она должна быть функциональной, практичной,
без лишних изысков, но с большим количеством света, воздуха, свободного пространства.
Что интересно ― Гропиус не умел и не любил рисовать и нанимал художников-ассистентов
для работы над проектами.
В 1918 году Гропиуса пригласили возглавить Саксонско-Веймарскую высшую школу изобразительных искусств. Через год он пересмотрел концепцию учебного заведения и переименовал его ― так появилась знаменитая школа Баухаус. Мастер написал манифест, в котором изложил идеологию школы: ремесло должно сочетать функциональность, современные материалы и искусство. Будь то архитектура, дизайн мебели или работа по ткани ― каждый продукт должен быть практичным, актуальным и обладать определённым смыслом, концепцией. Для своего времени Вальтер Гропиус обладал передовыми взглядами.
Так, он обладал превосходной способностью находить и воспитывать таланты, открыл студенческий набор для всех желающих ― независимо от пола и возраста. В первый год поступили порядка 150 человек, половина из которых ― девушки. Однако всё было не так радужно: большинство студенток распределили в ткацкую мастерскую, считая, что остальные направления школы ― «не женское» дело. Правда, со временем ситуация изменилась.
Дисциплина была неотъемлемой частью характера немецкого архитектора: невозмутимость, подтянутый внешний вид, безупречные костюмы и неизменный галстук-бабочка. Вальтер любил танцевать и всегда говорил: «Любовь — это сущность всего».
18 мая 1883, Берлин — 5 июля 1969, Бостон) — немецкий
архитектор, один из основателей и директор Баухауса, теоретик
архитектуры и дизайна, выдающийся художник-педагог.
Один из центральных представителей интернационального стиля.
Градостроительством занимались его дед и отец. Вальтер пошёл
по их стопам и поступил в Берлинскую высшую техническую
школу на архитектора.
Карьеру Гропиус начал с работы ассистентом в бюро
Петера Беренса. Там он узнал современные методы
строительства, освоил новые материалы — в начале XX века
стали активно использовать бетон, железо, стекло. В 1910 году Вальтер Гропиус создал собственное бюро совместно с архитектором Адольфом Мейером. Примерно в этот же период начинающий специалист познакомился с Ле Корбюзье, Мис ван дер Роэ. В дальнейшем все они стали главными популяризаторами функционализма в архитектуре.
Параллельно с работой Гропиус изучал методы строительства, потребности людей и сформировал свой взгляд на архитектуру: она должна быть функциональной, практичной,
без лишних изысков, но с большим количеством света, воздуха, свободного пространства.
Что интересно ― Гропиус не умел и не любил рисовать и нанимал художников-ассистентов
для работы над проектами.
В 1918 году Гропиуса пригласили возглавить Саксонско-Веймарскую высшую школу изобразительных искусств. Через год он пересмотрел концепцию учебного заведения и переименовал его ― так появилась знаменитая школа Баухаус. Мастер написал манифест, в котором изложил идеологию школы: ремесло должно сочетать функциональность, современные материалы и искусство. Будь то архитектура, дизайн мебели или работа по ткани ― каждый продукт должен быть практичным, актуальным и обладать определённым смыслом, концепцией. Для своего времени Вальтер Гропиус обладал передовыми взглядами.
Так, он обладал превосходной способностью находить и воспитывать таланты, открыл студенческий набор для всех желающих ― независимо от пола и возраста. В первый год поступили порядка 150 человек, половина из которых ― девушки. Однако всё было не так радужно: большинство студенток распределили в ткацкую мастерскую, считая, что остальные направления школы ― «не женское» дело. Правда, со временем ситуация изменилась.
Дисциплина была неотъемлемой частью характера немецкого архитектора: невозмутимость, подтянутый внешний вид, безупречные костюмы и неизменный галстук-бабочка. Вальтер любил танцевать и всегда говорил: «Любовь — это сущность всего».
Вальтер Адольф Георг Гропиус (нем. Walter Adolph Georg Gropius, 18 мая 1883, Берлин — 5 июля 1969, Бостон) — немецкий архитектор, один из основателей и директор Баухауса, теоретик архитектуры и дизайна, выдающийся художник-педагог.Один из центральных представителей интернационального стиля. Градостроительством занимались его дед и отец. Вальтер пошёл по их стопам и поступил в Берлинскую высшую техническую школу на архитектора.
Карьеру Гропиус начал с работы
ассистентом в бюро Петера Беренса. Там он узнал современные методы строительства, освоил новые материалы — в начале XX века стали активно использовать бетон, железо, стекло. В 1910 году Вальтер Гропиус создал собственное бюро совместно с архитектором Адольфом Мейером. Примерно в этот же период начинающий специалист познакомился с Ле Корбюзье, Мис ван дер Роэ. В дальнейшем все они стали главными популяризаторами функционализма в архитектуре.
Параллельно с работой Гропиус изучал методы строительства, потребности людей и сформировал свой взгляд на архитектуру: она должна быть функциональной, практичной, без лишних изысков, но с большим количеством света, воздуха, свободного пространства. Что интересно ― Гропиус не умел и не любил рисовать и нанимал художников-ассистентов для работы над проектами.В 1918 году Гропиуса пригласили возглавить Саксонско-Веймарскую высшую школу изобразительных искусств. Через год он пересмотрел концепцию учебного заведения и переименовал его ― так появилась знаменитая школа Баухаус. Мастер написал манифест, в котором изложил идеологию школы: ремесло должно сочетать функциональность, современные материалы и искусство. Будь то архитектура, дизайн мебели или работа по ткани ― каждый продукт должен быть практичным, актуальным и обладать определённым смыслом, концепцией. Для своего времени Вальтер Гропиус обладал передовыми взглядами. Так, он обладал превосходной способностью находить и воспитывать таланты, открыл студенческий набор для всех желающих ― независимо от пола и возраста. В первый год поступили порядка 150 человек, половина из которых ― девушки. Однако всё было не так радужно: большинство студенток распределили в ткацкую мастерскую, считая, что остальные направления школы ― «не женское» дело. Правда, со временем ситуация изменилась.
Дисциплина была неотъемлемой частью характера немецкого архитектора: невозмутимость, подтянутый внешний вид, безупречные костюмы и неизменный галстук-бабочка. Вальтер любил танцевать и всегда говорил: «Любовь — это сущность всего».
Карьеру Гропиус начал с работы
ассистентом в бюро Петера Беренса. Там он узнал современные методы строительства, освоил новые материалы — в начале XX века стали активно использовать бетон, железо, стекло. В 1910 году Вальтер Гропиус создал собственное бюро совместно с архитектором Адольфом Мейером. Примерно в этот же период начинающий специалист познакомился с Ле Корбюзье, Мис ван дер Роэ. В дальнейшем все они стали главными популяризаторами функционализма в архитектуре.
Параллельно с работой Гропиус изучал методы строительства, потребности людей и сформировал свой взгляд на архитектуру: она должна быть функциональной, практичной, без лишних изысков, но с большим количеством света, воздуха, свободного пространства. Что интересно ― Гропиус не умел и не любил рисовать и нанимал художников-ассистентов для работы над проектами.В 1918 году Гропиуса пригласили возглавить Саксонско-Веймарскую высшую школу изобразительных искусств. Через год он пересмотрел концепцию учебного заведения и переименовал его ― так появилась знаменитая школа Баухаус. Мастер написал манифест, в котором изложил идеологию школы: ремесло должно сочетать функциональность, современные материалы и искусство. Будь то архитектура, дизайн мебели или работа по ткани ― каждый продукт должен быть практичным, актуальным и обладать определённым смыслом, концепцией. Для своего времени Вальтер Гропиус обладал передовыми взглядами. Так, он обладал превосходной способностью находить и воспитывать таланты, открыл студенческий набор для всех желающих ― независимо от пола и возраста. В первый год поступили порядка 150 человек, половина из которых ― девушки. Однако всё было не так радужно: большинство студенток распределили в ткацкую мастерскую, считая, что остальные направления школы ― «не женское» дело. Правда, со временем ситуация изменилась.
Дисциплина была неотъемлемой частью характера немецкого архитектора: невозмутимость, подтянутый внешний вид, безупречные костюмы и неизменный галстук-бабочка. Вальтер любил танцевать и всегда говорил: «Любовь — это сущность всего».
Самые известные проекты
Здание Баухауса в Дессау, Германия
Дом Гропиуса, США
Жилой квартал Дессау-Тёртен, Германия
Посольство США в Афинах, Греция
Университет в Багдаде, Ирак
Фабрика обувных колодок Фагус, Германия
Жилой дом на Сименсштадт, Германия
Завод стеклянной посуды в Баварии, Германия
Башня Pan Am Building, в1990-х переименована в MetLife, США
Бьярке Ингельс родился в Копенгагене в 1974 году в семье
Кнуда Йенсена (дат. Knud Jensen), инженера по волоконно-
оптическим кабелям, и матери-дантинста Елизабет Ингельс
(дат. Elisabet Ingels). Носит фамилию матери, так как это имя,
по заключению семьи, «интереснее».
В 1993 году Бьярке начал шестилетний курс обучения
в Школе архитектуры при Датской королевской академии
изящных искусств. Первые два года он преимущественно
оттачивал свои навыки рисования, но затем познакомился
с архитектурой. По его собственным словам, он осознал,
что «архитектура — это не только форма искусства.
Она не может существовать вне социальных, экономических и политических обстоятельств".
Его захватила тектоника и работы профильных архитекторов: Алвара Аалто, Алвару Сиза и Энрика Мираллеса. Желание работать с Мираллесом и пожить в Барселоне подтолкнули Бьярке к поступлению в Высшую техническую школу архитектуры (исп. Escola Tècnica Superior d’Arquitectura), входящую в состав Политехнического университета Каталонии. Однако, вскоре он разочаровался в абстрактности и оторванности от реальности идей в мастерской Мираллеса. Тем не менее новое окружение в Барселоне превратило Ингельса в «совершенно нового человека».
В 1999 году Бьярке вернулся в Копенгаген, окончил Академию, после чего устроился на стажировку в Роттердам в бюро OMA архитектора Рема Колхаса. С архитектурой и книгами Колхаса Бьярке познакомился ещё в Барселоне. Он увлёкся его идеями и проникся «пониманием архитектуры как инструмента общества, а не автономной формы искусства». Чтобы получить стажировку у именитого архитектора он ещё на пятом году учёбы собрал внушительное портфолио экспериментальных проектов, среди которых, например, был проект подземного автосалона. Это портфолио обеспечило ему место в OMA, где его первой работой стал проект Центральной библиотеки Сиэтла, построенной в 2004 году.
В Дании Ингельс прославился после того, как спроектировал два жилых комплекса в Эрестаде, новом районе Копенгагена: VM Houses и Mountain Dwellings. В 2006 году он основал Bjarke Ingels Group, штат которой вырос за 10 лет до 400 человек и которая отличилась такими проектами, как жилой комплекс 8 House в Эрестаде, VIA 57 West на Манхэттене, калифорнийская штаб-квартира Google в Маунтин-Вью (разработан совместно с Томасом Хевервиком), парк Суперкилен и работающая на отходах электростанция Amager Bakke — последняя включает в себя горнолыжный склон и скалодром на фасаде здания.
С 2009 года Ингельс стал победителем многочисленных архитектурных конкурсов. В 2012 году он переехал в Нью-Йорк, где вдобавок к проектированию VIA 57 West компания выиграла конкурс на лучший проект по улучшению защиты Манхэттена от наводнений после урагана Сэнди, а также одно время проектировало новое здание Всемирного торгового центра 2. Об Ингельсе и его компании в 2017 году был снят документальный фильм «Время BIG».
В 2011 году издание Wall Street Journal присвоило Ингельсу звание «Инноватора года» в области архитектуры, а в 2016 Time Magazine включил его в число «100 самых влиятельных людей».
Ярким произведением архитектурного бюро Бьярке Ингельса стал многоквартирный дом Sluishuis на берегу бухты Эй в Амстердаме, где лодки могут пришвартоваться прямо во внутреннем дворе.
Кнуда Йенсена (дат. Knud Jensen), инженера по волоконно-
оптическим кабелям, и матери-дантинста Елизабет Ингельс
(дат. Elisabet Ingels). Носит фамилию матери, так как это имя,
по заключению семьи, «интереснее».
В 1993 году Бьярке начал шестилетний курс обучения
в Школе архитектуры при Датской королевской академии
изящных искусств. Первые два года он преимущественно
оттачивал свои навыки рисования, но затем познакомился
с архитектурой. По его собственным словам, он осознал,
что «архитектура — это не только форма искусства.
Она не может существовать вне социальных, экономических и политических обстоятельств".
Его захватила тектоника и работы профильных архитекторов: Алвара Аалто, Алвару Сиза и Энрика Мираллеса. Желание работать с Мираллесом и пожить в Барселоне подтолкнули Бьярке к поступлению в Высшую техническую школу архитектуры (исп. Escola Tècnica Superior d’Arquitectura), входящую в состав Политехнического университета Каталонии. Однако, вскоре он разочаровался в абстрактности и оторванности от реальности идей в мастерской Мираллеса. Тем не менее новое окружение в Барселоне превратило Ингельса в «совершенно нового человека».
В 1999 году Бьярке вернулся в Копенгаген, окончил Академию, после чего устроился на стажировку в Роттердам в бюро OMA архитектора Рема Колхаса. С архитектурой и книгами Колхаса Бьярке познакомился ещё в Барселоне. Он увлёкся его идеями и проникся «пониманием архитектуры как инструмента общества, а не автономной формы искусства». Чтобы получить стажировку у именитого архитектора он ещё на пятом году учёбы собрал внушительное портфолио экспериментальных проектов, среди которых, например, был проект подземного автосалона. Это портфолио обеспечило ему место в OMA, где его первой работой стал проект Центральной библиотеки Сиэтла, построенной в 2004 году.
В Дании Ингельс прославился после того, как спроектировал два жилых комплекса в Эрестаде, новом районе Копенгагена: VM Houses и Mountain Dwellings. В 2006 году он основал Bjarke Ingels Group, штат которой вырос за 10 лет до 400 человек и которая отличилась такими проектами, как жилой комплекс 8 House в Эрестаде, VIA 57 West на Манхэттене, калифорнийская штаб-квартира Google в Маунтин-Вью (разработан совместно с Томасом Хевервиком), парк Суперкилен и работающая на отходах электростанция Amager Bakke — последняя включает в себя горнолыжный склон и скалодром на фасаде здания.
С 2009 года Ингельс стал победителем многочисленных архитектурных конкурсов. В 2012 году он переехал в Нью-Йорк, где вдобавок к проектированию VIA 57 West компания выиграла конкурс на лучший проект по улучшению защиты Манхэттена от наводнений после урагана Сэнди, а также одно время проектировало новое здание Всемирного торгового центра 2. Об Ингельсе и его компании в 2017 году был снят документальный фильм «Время BIG».
В 2011 году издание Wall Street Journal присвоило Ингельсу звание «Инноватора года» в области архитектуры, а в 2016 Time Magazine включил его в число «100 самых влиятельных людей».
Ярким произведением архитектурного бюро Бьярке Ингельса стал многоквартирный дом Sluishuis на берегу бухты Эй в Амстердаме, где лодки могут пришвартоваться прямо во внутреннем дворе.
Бьярке Ингельс родился в Копенгагене в 1974 году в семье Кнуда Йенсена (дат. Knud Jensen), инженера по волоконно-оптическим кабелям, и матери-дантинста Елизабет Ингельс (дат. Elisabet Ingels). Носит фамилию матери, так как это имя, по заключению семьи, «интереснее».
В 1993 году Бьярке начал шестилетний курс обучения в Школе архитектуры при Датской королевской академии изящных искусств. Первые два года он преимущественно оттачивал свои навыки рисования, но затем познакомился с архитектурой. По его собственным словам, он осознал, что «архитектура — это не только форма искусства. Она не может существовать вне социальных, экономических и политических обстоятельств». Его захватила тектоника и работы профильных архитекторов: Алвара Аалто, Алвару Сиза и Энрика Мираллеса. Желание работать с Мираллесом и пожить в Барселоне подтолкнули Бьярке к поступлению в Высшую техническую школы архитектуры (исп. Escola Tècnica Superior d’Arquitectura), входящую в состав Политехнического университета Каталонии. Однако, вскоре он разочаровался в абстрактности и оторванности от реальности идей в мастерской Мираллеса. Тем не менее новое окружение в Барселоне превратило Ингельса в «совершенно нового человека».
В 1999 году Бьярке вернулся в Копенгаген, окончил Академию, после чего устроился на стажировку в Роттердам в бюро OMA архитектора Рема Колхаса. С архитектурой и книгами Колхаса Бьярке познакомился ещё в Барселоне. Он увлёкся его идеями и проникся «пониманием архитектуры как инструмента общества, а не автономной формы искусства». Чтобы получить стажировку у именитого архитектора он ещё на пятом году учёбы собрал внушительное портфолио экспериментальных проектов, среди которых, например, был проект подземного автосалона. Это портфолио обеспечило ему место в OMA, где его первой работой стал проект Центральной библиотеки Сиэтла, построенной в 2004 году.
В Дании Ингельс прославился после того, как спроектировал два жилых комплекса в Эрестаде, новом районе Копенгагена: VM Houses и Mountain Dwellings. В 2006 году он основал Bjarke Ingels Group, штат которой вырос за 10 лет до 400 человек и которая отличилась такими проектами, как жилой комплекс 8 House в Эрестаде, VIA 57 West на Манхэттене, калифорнийская штаб-квартира Google в Маунтин-Вью (разработан совместно с Томасом Хевервиком), парк Суперкилен и работающая на отходах электростанция Amager Bakke — последняя включает в себя горнолыжный склон и скалодром на фасаде здания.
С 2009 Ингельс стал победителем многочисленных архитектурных конкурсов. В 2012 году он переехал в Нью-Йорк, где вдобавок к проектированию VIA 57 West компания выиграла конкурс на лучший проект по улучшению защиты Манхэттена от наводнений после урагана Сэнди, а также одно время проектировало новое здание Всемирного торгового центра 2. Об Ингельсе и его компании в 2017 году был снят документальный фильм «Время BIG». В 2011 году издание Wall Street Journal присвоило Ингельсу звание «Инноватора года» в области архитектуры, а в 2016 Time Magazine включил его в число «100 самых влиятельных людей».Ярким произведением архитектурного бюро Бьярке Ингельса стал многоквартирный дом Sluishuis на берегу бухты Эй в Амстердаме, где лодки могут пришвартоваться прямо во внутреннем дворе.
В 1993 году Бьярке начал шестилетний курс обучения в Школе архитектуры при Датской королевской академии изящных искусств. Первые два года он преимущественно оттачивал свои навыки рисования, но затем познакомился с архитектурой. По его собственным словам, он осознал, что «архитектура — это не только форма искусства. Она не может существовать вне социальных, экономических и политических обстоятельств». Его захватила тектоника и работы профильных архитекторов: Алвара Аалто, Алвару Сиза и Энрика Мираллеса. Желание работать с Мираллесом и пожить в Барселоне подтолкнули Бьярке к поступлению в Высшую техническую школы архитектуры (исп. Escola Tècnica Superior d’Arquitectura), входящую в состав Политехнического университета Каталонии. Однако, вскоре он разочаровался в абстрактности и оторванности от реальности идей в мастерской Мираллеса. Тем не менее новое окружение в Барселоне превратило Ингельса в «совершенно нового человека».
В 1999 году Бьярке вернулся в Копенгаген, окончил Академию, после чего устроился на стажировку в Роттердам в бюро OMA архитектора Рема Колхаса. С архитектурой и книгами Колхаса Бьярке познакомился ещё в Барселоне. Он увлёкся его идеями и проникся «пониманием архитектуры как инструмента общества, а не автономной формы искусства». Чтобы получить стажировку у именитого архитектора он ещё на пятом году учёбы собрал внушительное портфолио экспериментальных проектов, среди которых, например, был проект подземного автосалона. Это портфолио обеспечило ему место в OMA, где его первой работой стал проект Центральной библиотеки Сиэтла, построенной в 2004 году.
В Дании Ингельс прославился после того, как спроектировал два жилых комплекса в Эрестаде, новом районе Копенгагена: VM Houses и Mountain Dwellings. В 2006 году он основал Bjarke Ingels Group, штат которой вырос за 10 лет до 400 человек и которая отличилась такими проектами, как жилой комплекс 8 House в Эрестаде, VIA 57 West на Манхэттене, калифорнийская штаб-квартира Google в Маунтин-Вью (разработан совместно с Томасом Хевервиком), парк Суперкилен и работающая на отходах электростанция Amager Bakke — последняя включает в себя горнолыжный склон и скалодром на фасаде здания.
С 2009 Ингельс стал победителем многочисленных архитектурных конкурсов. В 2012 году он переехал в Нью-Йорк, где вдобавок к проектированию VIA 57 West компания выиграла конкурс на лучший проект по улучшению защиты Манхэттена от наводнений после урагана Сэнди, а также одно время проектировало новое здание Всемирного торгового центра 2. Об Ингельсе и его компании в 2017 году был снят документальный фильм «Время BIG». В 2011 году издание Wall Street Journal присвоило Ингельсу звание «Инноватора года» в области архитектуры, а в 2016 Time Magazine включил его в число «100 самых влиятельных людей».Ярким произведением архитектурного бюро Бьярке Ингельса стал многоквартирный дом Sluishuis на берегу бухты Эй в Амстердаме, где лодки могут пришвартоваться прямо во внутреннем дворе.
Самые известные проекты
ЖК Sluishuis в Амстердаме, Голландия
Жилой комплекс 8 House в Эрестаде, Дания
Жилой комплекс VM Houses в Эрестаде, Дания
Жилой комплекс VM Houses в Копенгагене, Дания
Жилой комплекс VM Houses в Эрестаде, Дания
Штаб-квартира ЛЕГО, США
Штаб-квартира Google в Маунтин-Вью, США
Штаб-квартира Google в Маунтин-Вью, Калифорния, США
Парк Суперкилен в Копенгагене, Дания
Жилой комплекс Mountain Dwellings в Копенгагене, Дания
Мусоросжигающий завод в Копенгагене, Дания
VIA 57 West на Манхэттене, Нью-Йорк, США
Ванкувер Хаус Небоскреб, Канада
Заха Мохаммад Хадид
(31 октября 1950, Багдад, Ирак — 31 марта 2016, Майами, США)
Ирако-британский архитектор и дизайнер, представительница
деконструктивизма. В 2004 году стала первой в истории
женщиной, награждённой Притцкеровской премией.
Дама-командор ордена Британской империи (2012),
иностранный член Американского философского общества (2013).
В 1979 году Заха Хадид основывает собственную архитектурную
фирму Zaha Hadid Architects.
По образному определению газеты The Guardian, Заха Хадид
— «королева кривой», которая «освободила архитектурную геометрию, придав ей совершенно новую выразительную идентичность». Она не старалась вписать архитектуру в пространство, она сама создавала это пространство и всегда выходила за рамки общепринятого. С этой же целью — усиления внутреннего движения и деформации — Заха Хадид использует искажённую перспективу, выявляющую острые углы и кривые линии. В своих интервью она неоднократно говорила о том, что её творческий метод сложился под влиянием русского конструктивизма. Любимым художником архитектора был Казимир Малевич.
Мировая слава к Хадид пришла после возведения Центра современного искусства Розенталя в США. Хадид никогда не была замужем и не имела детей. Со слов самой Захи, её семьей были проекты зданий и сотрудники архитектурного бюро. Жила архитектор в центре Лондона, недалеко от офиса. Её квартира представляла собой белое пространство, заставленное авангардной мебелью.
Кроме чисто архитектурной работы с крупными формами, Заха Хадид охотно экспериментировала в жанре инсталляции, а также создавала театральные декорации, выставочные и сценические пространства, интерьеры, обувь, картины и рисунки.
(31 октября 1950, Багдад, Ирак — 31 марта 2016, Майами, США)
Ирако-британский архитектор и дизайнер, представительница
деконструктивизма. В 2004 году стала первой в истории
женщиной, награждённой Притцкеровской премией.
Дама-командор ордена Британской империи (2012),
иностранный член Американского философского общества (2013).
В 1979 году Заха Хадид основывает собственную архитектурную
фирму Zaha Hadid Architects.
По образному определению газеты The Guardian, Заха Хадид
— «королева кривой», которая «освободила архитектурную геометрию, придав ей совершенно новую выразительную идентичность». Она не старалась вписать архитектуру в пространство, она сама создавала это пространство и всегда выходила за рамки общепринятого. С этой же целью — усиления внутреннего движения и деформации — Заха Хадид использует искажённую перспективу, выявляющую острые углы и кривые линии. В своих интервью она неоднократно говорила о том, что её творческий метод сложился под влиянием русского конструктивизма. Любимым художником архитектора был Казимир Малевич.
Мировая слава к Хадид пришла после возведения Центра современного искусства Розенталя в США. Хадид никогда не была замужем и не имела детей. Со слов самой Захи, её семьей были проекты зданий и сотрудники архитектурного бюро. Жила архитектор в центре Лондона, недалеко от офиса. Её квартира представляла собой белое пространство, заставленное авангардной мебелью.
Кроме чисто архитектурной работы с крупными формами, Заха Хадид охотно экспериментировала в жанре инсталляции, а также создавала театральные декорации, выставочные и сценические пространства, интерьеры, обувь, картины и рисунки.
Заха Мохаммад Хадид
(31 октября 1950, Багдад, Ирак — 31 марта 2016, Майами, США)
Ирако-британский архитектор и дизайнер, представительница деконструктивизма. В 2004 году стала первой в истории
женщиной, награждённой Притцкеровской премией. Дама-командор ордена Британской империи (2012), иностранный член Американского философского общества (2013). В 1979 году Заха Хадид основывает собственную архитектурную фирму Zaha Hadid Architects.
По образному определению газеты The Guardian, Заха Хадид — «королева кривой», которая «освободила архитектурную геометрию, придав ей совершенно новую выразительную идентичность». Она не старалась вписать архитектуру в пространство, она сама создавала это пространство и всегда выходила за рамки общепринятого. С этой же целью — усиления внутреннего движения и деформации — Заха Хадид использует искажённую перспективу, выявляющую острые углы и кривые линии. В своих интервью она неоднократно говорила о том, что её творческий метод сложился под влиянием русского конструктивизма. Любимым художником архитектора был Казимир Малевич.
Мировая слава к Хадид пришла после возведения Центра современного искусства Розенталя в США. Хадид никогда не была замужем и не имела детей. Со слов самой Захи, её семьей были проекты зданий и сотрудники архитектурного бюро. Жила архитектор в центре Лондона, недалеко от офиса. Её квартира представляла собой белое пространство, заставленное авангардной мебелью.
Кроме чисто архитектурной работы с крупными формами, Заха Хадид охотно экспериментировала в жанре инсталляции, а также создавала театральные декорации, выставочные и сценические пространства, интерьеры, обувь, картины и рисунки.
(31 октября 1950, Багдад, Ирак — 31 марта 2016, Майами, США)
Ирако-британский архитектор и дизайнер, представительница деконструктивизма. В 2004 году стала первой в истории
женщиной, награждённой Притцкеровской премией. Дама-командор ордена Британской империи (2012), иностранный член Американского философского общества (2013). В 1979 году Заха Хадид основывает собственную архитектурную фирму Zaha Hadid Architects.
По образному определению газеты The Guardian, Заха Хадид — «королева кривой», которая «освободила архитектурную геометрию, придав ей совершенно новую выразительную идентичность». Она не старалась вписать архитектуру в пространство, она сама создавала это пространство и всегда выходила за рамки общепринятого. С этой же целью — усиления внутреннего движения и деформации — Заха Хадид использует искажённую перспективу, выявляющую острые углы и кривые линии. В своих интервью она неоднократно говорила о том, что её творческий метод сложился под влиянием русского конструктивизма. Любимым художником архитектора был Казимир Малевич.
Мировая слава к Хадид пришла после возведения Центра современного искусства Розенталя в США. Хадид никогда не была замужем и не имела детей. Со слов самой Захи, её семьей были проекты зданий и сотрудники архитектурного бюро. Жила архитектор в центре Лондона, недалеко от офиса. Её квартира представляла собой белое пространство, заставленное авангардной мебелью.
Кроме чисто архитектурной работы с крупными формами, Заха Хадид охотно экспериментировала в жанре инсталляции, а также создавала театральные декорации, выставочные и сценические пространства, интерьеры, обувь, картины и рисунки.
Самые известные проекты
Акватик центр в Лондоне, Великобритания
Оперный театр в Гуанчжоу, Китай
Центр Гейдара Алиева в Баку, Азербайджан
Бизнес-центр Доминион в Москве
Отель Morheus в Макао, Китай
Футбольный стадион, Катар
Частный особняк в Барвихе, Россия
Частный особняк в Барвихе, Россия
Музей искусств ХХI века в Риме, Италия
Башня Инноваций в Гонконге, Китай
Городской комплекс GALAXY SOHO в Пекине, Китай
Центр искусств Розенталя в Цинциннати, США
Башня Leeza SOHO в Пекине, Китай
Ле Корбюзье (фр. Le Corbusier; настоящее имя и фамилия
Шарль-Эдуа́р Жаннере́-Гри, 6 октября 1887, Ла-Шо-де-Фон,
Швейцария — 27 августа 1965, Рокебрюн-Кап-Мартен, Франция)
— французский архитектор швейцарского происхождения,
пионер архитектурного модернизма и функционализма,
представитель архитектуры интернационального стиля,
художник и дизайнер.
Характерные признаки архитектуры Ле Корбюзье —
объёмы-блоки, поднятые над землёй; свободно стоящие
колонны под ними; плоские используемые крыши-террасы
(«сады на крыше»); «прозрачные», просматриваемые насквозь
фасады («свободный фасад»); шероховатые неотделанные поверхности бетона; свободные пространства этажей («свободный план»). Бывшие некогда принадлежностью его личной архитектурной программы, сейчас все эти приёмы стали привычными чертами современного строительства. Необыкновенную популярность творчества Ле Корбюзье в мире можно объяснить универсальностью его подхода, социальной наполненностью его предложений. Нельзя не отметить его заслуги и в том, что он открыл глаза архитекторам на свободные формы. В большой степени именно под впечатлением его проектов и построек произошёл сдвиг в сознании архитекторов, в результате чего свободные формы в архитектуре стали применять гораздо шире и с гораздо большей непринуждённостью, чем раньше.
Ле Корбюзье разработал новый стиль архитектуры — функционализм, который стал основой для многих современных зданий. Мастер сформулировал пять принципов этого стиля — «Пять отправных точек современной архитектуры». Дом должен быть с плоской крышей, гибкой внутренней планировкой, ленточным остеклением и свободно организованным фасадом (несущие конструкции спрятаны внутрь фасада). Установлено здание должно быть на столбах-опорах, чтобы пространство между ними можно было использовать.
Черты его личности неоднозначны: это и человек открытого сознания, и мистик, это и общественный лидер, организатор Международных Конгрессов современных архитекторов CIAM — и рак-отшельник, прячущийся ото всех в своём крошечном домике-мастерской на мысе Кап-Мартен, это апологет рационального подхода, и одновременно архитектор, создававший сооружения, которые современникам казались верхом эксцентричности и иррациональности.
Увлечённый писатель, теоретик искусства, скульптор, дизайнер мебели и художник, любимый и ненавидимый многими, он навсегда изменил архитектуру и мир, в котором мы живём.
Характерные особенности имиджа Ле Корбюзье — строгий тёмный костюм, галстук-бабочка, а также круглые роговые очки, ставшие его своеобразным фирменным знаком.
Шарль-Эдуа́р Жаннере́-Гри, 6 октября 1887, Ла-Шо-де-Фон,
Швейцария — 27 августа 1965, Рокебрюн-Кап-Мартен, Франция)
— французский архитектор швейцарского происхождения,
пионер архитектурного модернизма и функционализма,
представитель архитектуры интернационального стиля,
художник и дизайнер.
Характерные признаки архитектуры Ле Корбюзье —
объёмы-блоки, поднятые над землёй; свободно стоящие
колонны под ними; плоские используемые крыши-террасы
(«сады на крыше»); «прозрачные», просматриваемые насквозь
фасады («свободный фасад»); шероховатые неотделанные поверхности бетона; свободные пространства этажей («свободный план»). Бывшие некогда принадлежностью его личной архитектурной программы, сейчас все эти приёмы стали привычными чертами современного строительства. Необыкновенную популярность творчества Ле Корбюзье в мире можно объяснить универсальностью его подхода, социальной наполненностью его предложений. Нельзя не отметить его заслуги и в том, что он открыл глаза архитекторам на свободные формы. В большой степени именно под впечатлением его проектов и построек произошёл сдвиг в сознании архитекторов, в результате чего свободные формы в архитектуре стали применять гораздо шире и с гораздо большей непринуждённостью, чем раньше.
Ле Корбюзье разработал новый стиль архитектуры — функционализм, который стал основой для многих современных зданий. Мастер сформулировал пять принципов этого стиля — «Пять отправных точек современной архитектуры». Дом должен быть с плоской крышей, гибкой внутренней планировкой, ленточным остеклением и свободно организованным фасадом (несущие конструкции спрятаны внутрь фасада). Установлено здание должно быть на столбах-опорах, чтобы пространство между ними можно было использовать.
Черты его личности неоднозначны: это и человек открытого сознания, и мистик, это и общественный лидер, организатор Международных Конгрессов современных архитекторов CIAM — и рак-отшельник, прячущийся ото всех в своём крошечном домике-мастерской на мысе Кап-Мартен, это апологет рационального подхода, и одновременно архитектор, создававший сооружения, которые современникам казались верхом эксцентричности и иррациональности.
Увлечённый писатель, теоретик искусства, скульптор, дизайнер мебели и художник, любимый и ненавидимый многими, он навсегда изменил архитектуру и мир, в котором мы живём.
Характерные особенности имиджа Ле Корбюзье — строгий тёмный костюм, галстук-бабочка, а также круглые роговые очки, ставшие его своеобразным фирменным знаком.
Ле Корбюзье (фр. Le Corbusier; настоящее имя и фамилия Шарль-Эдуар Жаннере-Гри, 6 октября 1887, Ла-Шо-де-Фон, Швейцария — 27 августа 1965, Рокебрюн-Кап-Мартен, Франция) — французский архитектор швейцарского происхождения, пионер архитектурного модернизма и функционализма, представитель архитектуры интернационального стиля, художник и дизайнер.
Характерные признаки архитектуры Ле Корбюзье — объёмы-блоки, поднятые над землёй; свободно стоящие колонны под ними; плоские используемые крыши-террасы («сады на крыше»); «прозрачные», просматриваемые насквозь фасады («свободный фасад»); шероховатые неотделанные поверхности бетона; свободные пространства этажей («свободный план»). Бывшие некогда принадлежностью его личной архитектурной программы, сейчас все эти приёмы стали привычными чертами современного строительства.
Необыкновенную популярность творчества Ле Корбюзье в мире можно объяснить универсальностью его подхода, социальной наполненностью его предложений. Нельзя не отметить его заслуги и в том, что он открыл глаза архитекторам на свободные формы.
В большой степени именно под впечатлением его проектов и построек произошёл сдвиг в сознании архитекторов, в результате чего свободные формы в архитектуре стали применять гораздо шире и с гораздо большей непринуждённостью, чем раньше.
Ле Корбюзье разработал новый стиль архитектуры — функционализм, который стал основой для многих современных зданий. Мастер сформулировал пять принципов этого стиля — «Пять отправных точек современной архитектуры». Дом должен быть с плоской крышей, гибкой внутренней планировкой, ленточным остеклением и свободно организованным фасадом (несущие конструкции спрятаны внутрь фасада). Установлено здание должно быть на столбах-опорах, чтобы пространство между ними можно было использовать.
Черты его личности неоднозначны: это и человек открытого сознания, и мистик, это и общественный лидер, организатор Международных Конгрессов современных архитекторов CIAM — и рак-отшельник, прячущийся ото всех в своём крошечном домике-мастерской на мысе Кап-Мартен, это апологет рационального подхода, и одновременно архитектор, создававший сооружения, которые современникам казались верхом эксцентричности и иррациональности.
Увлечённый писатель, теоретик искусства, скульптор, дизайнер мебели и художник, любимый и ненавидимый многими, он навсегда изменил архитектуру и мир, в котором мы живём.
Характерные особенности имиджа Ле Корбюзье — строгий тёмный костюм, галстук-бабочка, а также круглые роговые очки, ставшие его своеобразным фирменным знаком.
Характерные признаки архитектуры Ле Корбюзье — объёмы-блоки, поднятые над землёй; свободно стоящие колонны под ними; плоские используемые крыши-террасы («сады на крыше»); «прозрачные», просматриваемые насквозь фасады («свободный фасад»); шероховатые неотделанные поверхности бетона; свободные пространства этажей («свободный план»). Бывшие некогда принадлежностью его личной архитектурной программы, сейчас все эти приёмы стали привычными чертами современного строительства.
Необыкновенную популярность творчества Ле Корбюзье в мире можно объяснить универсальностью его подхода, социальной наполненностью его предложений. Нельзя не отметить его заслуги и в том, что он открыл глаза архитекторам на свободные формы.
В большой степени именно под впечатлением его проектов и построек произошёл сдвиг в сознании архитекторов, в результате чего свободные формы в архитектуре стали применять гораздо шире и с гораздо большей непринуждённостью, чем раньше.
Ле Корбюзье разработал новый стиль архитектуры — функционализм, который стал основой для многих современных зданий. Мастер сформулировал пять принципов этого стиля — «Пять отправных точек современной архитектуры». Дом должен быть с плоской крышей, гибкой внутренней планировкой, ленточным остеклением и свободно организованным фасадом (несущие конструкции спрятаны внутрь фасада). Установлено здание должно быть на столбах-опорах, чтобы пространство между ними можно было использовать.
Черты его личности неоднозначны: это и человек открытого сознания, и мистик, это и общественный лидер, организатор Международных Конгрессов современных архитекторов CIAM — и рак-отшельник, прячущийся ото всех в своём крошечном домике-мастерской на мысе Кап-Мартен, это апологет рационального подхода, и одновременно архитектор, создававший сооружения, которые современникам казались верхом эксцентричности и иррациональности.
Увлечённый писатель, теоретик искусства, скульптор, дизайнер мебели и художник, любимый и ненавидимый многими, он навсегда изменил архитектуру и мир, в котором мы живём.
Характерные особенности имиджа Ле Корбюзье — строгий тёмный костюм, галстук-бабочка, а также круглые роговые очки, ставшие его своеобразным фирменным знаком.
Самые известные проекты
Вилла Савой, Франция
Жилой дом в Берлине
Дворец Ассамблей Чандигарх, Индия
Церковь Сен-Пьер де Фирмини, Франция
Монастырь сент-Мари-де-ла-Туретт, Франция
Центр Ле Корбюзье, Франция
Капелла Нотр-Дам-дю-О в Роншане, Франция
Здание Центросоюза в Москве
Реммент Лукас Колхас родился в Роттердаме, Нидерланды,
17 ноября 1944 года. Четыре года своей юности он провел
в Индонезии, где его отец, писатель, работал директором
по культуре. Следуя по стопам своего отца, молодой Колхас
начал свою карьеру писателя. Он был журналистом Haase Post
в Гааге, а позже попробовал свои силы в написании сценариев
к фильмам.
Однажды друг Рема — Геррит Ортхойс, преподаватель
истории архитектуры в университете Делфта, пригласил его
рассказать группе студентов-архитекторов о кино. Именно
тогда Колхас понял, что на самом деле хочет строить
и «поменяться со студентами местами».
Окончательно Рем принял решение стать архитектором, когда в 1967 году Геррит, будучи поклонником русского авангарда, повёз Рема в Москву, где тот познакомился с работами Родченко и теорией дезурбанизма, которая отрицает положительную роль крупных городов. Его соблазнила серия авангардных архитектурных иллюстраций, которая выражала яркие идеи и определяла содержание общества.
В 28 лет Колхас поступил в Школу архитектурной ассоциации в Лондоне (АА). Его итоговый проект назывался «Исход» и представлял собой фантазию на тему разделения Лондона стеной наподобие Берлинской. Рисунки, которые Рем сделал для этого проекта были дерзким примером модернистских утопий.
Труды Колхаса по архитектуре принесли ему известность в этой области еще до того, как он завершил строительство хотя бы одного здания. После окончания в 1972 году Школы Ассоциации архитектуры в Лондоне Колхас получил исследовательскую стипендию в Соединенных Штатах. Во время своего визита он написал книгу «Безумный Нью-Йорк», которую он назвал «манифестом обратной силы для Манхэттена» и которую критики приветствовали как классический текст о современной архитектуре и обществе.
В 1975 году Колхас основал Офис столичной архитектуры (OMA) в Лондоне вместе с Мадлен Вризендорм, Элией и Зои Зенгелис. Заха Хадид — будущий лауреат Притцкеровской архитектурной премии — была одним из их первых стажёров. Компания, специализирующаяся на современном дизайне, выиграла конкурс на пристройку к зданию парламента в Гааге и крупную комиссию по разработке генерального плана жилого квартала в Амстердаме.
Голландский архитектор и урбанист, известный своими инновационными, продуманными проектами. Его называли модернистом, деконструктивистом и структуралистом, однако многие критики утверждают, что он склоняется к гуманизму; в его работах ищется связь между технологией и человечеством.
В 2000 году, когда Колхасу было за 50, он получил престижную Притцкеровскую премию. В своей цитате жюри премии охарактеризовало голландского архитектора как «редкое сочетание провидца и исполнителя, философа и прагматика, теоретика и пророка». Газета «Нью-Йорк таймс» назвала его «одним из самых влиятельных мыслителей архитектуры».
17 ноября 1944 года. Четыре года своей юности он провел
в Индонезии, где его отец, писатель, работал директором
по культуре. Следуя по стопам своего отца, молодой Колхас
начал свою карьеру писателя. Он был журналистом Haase Post
в Гааге, а позже попробовал свои силы в написании сценариев
к фильмам.
Однажды друг Рема — Геррит Ортхойс, преподаватель
истории архитектуры в университете Делфта, пригласил его
рассказать группе студентов-архитекторов о кино. Именно
тогда Колхас понял, что на самом деле хочет строить
и «поменяться со студентами местами».
Окончательно Рем принял решение стать архитектором, когда в 1967 году Геррит, будучи поклонником русского авангарда, повёз Рема в Москву, где тот познакомился с работами Родченко и теорией дезурбанизма, которая отрицает положительную роль крупных городов. Его соблазнила серия авангардных архитектурных иллюстраций, которая выражала яркие идеи и определяла содержание общества.
В 28 лет Колхас поступил в Школу архитектурной ассоциации в Лондоне (АА). Его итоговый проект назывался «Исход» и представлял собой фантазию на тему разделения Лондона стеной наподобие Берлинской. Рисунки, которые Рем сделал для этого проекта были дерзким примером модернистских утопий.
Труды Колхаса по архитектуре принесли ему известность в этой области еще до того, как он завершил строительство хотя бы одного здания. После окончания в 1972 году Школы Ассоциации архитектуры в Лондоне Колхас получил исследовательскую стипендию в Соединенных Штатах. Во время своего визита он написал книгу «Безумный Нью-Йорк», которую он назвал «манифестом обратной силы для Манхэттена» и которую критики приветствовали как классический текст о современной архитектуре и обществе.
В 1975 году Колхас основал Офис столичной архитектуры (OMA) в Лондоне вместе с Мадлен Вризендорм, Элией и Зои Зенгелис. Заха Хадид — будущий лауреат Притцкеровской архитектурной премии — была одним из их первых стажёров. Компания, специализирующаяся на современном дизайне, выиграла конкурс на пристройку к зданию парламента в Гааге и крупную комиссию по разработке генерального плана жилого квартала в Амстердаме.
Голландский архитектор и урбанист, известный своими инновационными, продуманными проектами. Его называли модернистом, деконструктивистом и структуралистом, однако многие критики утверждают, что он склоняется к гуманизму; в его работах ищется связь между технологией и человечеством.
В 2000 году, когда Колхасу было за 50, он получил престижную Притцкеровскую премию. В своей цитате жюри премии охарактеризовало голландского архитектора как «редкое сочетание провидца и исполнителя, философа и прагматика, теоретика и пророка». Газета «Нью-Йорк таймс» назвала его «одним из самых влиятельных мыслителей архитектуры».
Реммент Лукас Колхас родился в Роттердаме, Нидерланды, 17 ноября 1944 года. Четыре года своей юности он провел в Индонезии, где его отец, писатель, работал директором по культуре. Следуя по стопам своего отца, молодой Колхас начал свою карьеру писателя. Он был журналистом Haase Post в Гааге, а позже попробовал свои силы в написании сценариев к фильмам.
Однажды друг Рема — Геррит Ортхойс, преподаватель истории архитектуры в университете Делфта, пригласил его рассказать группе студентов-архитекторов о кино. Именно тогда Колхас понял, что на самом деле хочет строить и «поменяться со студентами местами».
Окончательно Рем принял решение стать архитектором, когда в 1967 году Геррит, будучи поклонником русского авангарда, повёз Рема в Москву, где тот познакомился с работами Родченко и теорией дезурбанизма, которая отрицает положительную роль крупных городов. Его соблазнила серия авангардных архитектурных иллюстраций, которая выражала яркие идеи и определяла содержание общества.
В 28 лет Колхас поступил в Школу архитектурной ассоциации в Лондоне (АА). Его итоговый проект назывался «Исход» и представлял собой фантазию на тему разделения Лондона стеной наподобие Берлинской. Рисунки, которые Рем сделал для этого проекта были дерзким примером модернистских утопий.
Труды Колхаса по архитектуре принесли ему известность в этой области еще до того, как он завершил строительство хотя бы одного здания. После окончания в 1972 году Школы Ассоциации архитектуры в Лондоне Колхас получил исследовательскую стипендию в Соединенных Штатах. Во время своего визита он написал книгу «Безумный Нью-Йорк», которую он назвал «манифестом обратной силы для Манхэттена» и которую критики приветствовали как классический текст о современной архитектуре и обществе.
В 1975 году Колхас основал Офис столичной архитектуры (OMA) в Лондоне вместе с Мадлен Вризендорм, Элией и Зои Зенгелис. Заха Хадид — будущий лауреат Притцкеровской архитектурной премии — была одним из их первых стажёров. Компания, специализирующаяся на современном дизайне, выиграла конкурс на пристройку к зданию парламента в Гааге и крупную комиссию по разработке генерального плана жилого квартала в Амстердаме.
Голландский архитектор и урбанист, известный своими инновационными, продуманными проектами. Его называли модернистом, деконструктивистом и структуралистом, однако многие критики утверждают, что он склоняется к гуманизму; в его работах ищется связь между технологией и человечеством.
В 2000 году, когда Колхасу было за 50, он получил престижную Притцкеровскую премию. В своей цитате жюри премии охарактеризовало голландского архитектора как «редкое сочетание провидца и исполнителя, философа и прагматика, теоретика и пророка». Газета «Нью-Йорк таймс» назвала его «одним из самых влиятельных мыслителей архитектуры».
Однажды друг Рема — Геррит Ортхойс, преподаватель истории архитектуры в университете Делфта, пригласил его рассказать группе студентов-архитекторов о кино. Именно тогда Колхас понял, что на самом деле хочет строить и «поменяться со студентами местами».
Окончательно Рем принял решение стать архитектором, когда в 1967 году Геррит, будучи поклонником русского авангарда, повёз Рема в Москву, где тот познакомился с работами Родченко и теорией дезурбанизма, которая отрицает положительную роль крупных городов. Его соблазнила серия авангардных архитектурных иллюстраций, которая выражала яркие идеи и определяла содержание общества.
В 28 лет Колхас поступил в Школу архитектурной ассоциации в Лондоне (АА). Его итоговый проект назывался «Исход» и представлял собой фантазию на тему разделения Лондона стеной наподобие Берлинской. Рисунки, которые Рем сделал для этого проекта были дерзким примером модернистских утопий.
Труды Колхаса по архитектуре принесли ему известность в этой области еще до того, как он завершил строительство хотя бы одного здания. После окончания в 1972 году Школы Ассоциации архитектуры в Лондоне Колхас получил исследовательскую стипендию в Соединенных Штатах. Во время своего визита он написал книгу «Безумный Нью-Йорк», которую он назвал «манифестом обратной силы для Манхэттена» и которую критики приветствовали как классический текст о современной архитектуре и обществе.
В 1975 году Колхас основал Офис столичной архитектуры (OMA) в Лондоне вместе с Мадлен Вризендорм, Элией и Зои Зенгелис. Заха Хадид — будущий лауреат Притцкеровской архитектурной премии — была одним из их первых стажёров. Компания, специализирующаяся на современном дизайне, выиграла конкурс на пристройку к зданию парламента в Гааге и крупную комиссию по разработке генерального плана жилого квартала в Амстердаме.
Голландский архитектор и урбанист, известный своими инновационными, продуманными проектами. Его называли модернистом, деконструктивистом и структуралистом, однако многие критики утверждают, что он склоняется к гуманизму; в его работах ищется связь между технологией и человечеством.
В 2000 году, когда Колхасу было за 50, он получил престижную Притцкеровскую премию. В своей цитате жюри премии охарактеризовало голландского архитектора как «редкое сочетание провидца и исполнителя, философа и прагматика, теоретика и пророка». Газета «Нью-Йорк таймс» назвала его «одним из самых влиятельных мыслителей архитектуры».
Самые известные проекты
Концертный зал в Порто, Португалия
Центральная библиотека в Сиэттле, США
Центральная библиотека в Сиэттле, США
Музей «Гараж», Москва
Национальная библиотека Катара
Посольство Нидерландов в Берлине, Германия
Форум Faena в Маями, США
The Interlace в Сингапуре, Малайзия
Комплекс Центрального китайского телевидения CCTV, Китай
Комплекс De Rotterdam, Роттердам
Сантьяго Калатрава родился 28 июля 1951 года в Валенсии.
Занимался в Школе архитектуры и в Школе искусств и ремёсел
при Политехническом университете (Universidad Politécnica
de Valencia) в родном городе. Окончив образование в 1975 году,
устроился на работу в Швейцарскую высшую техническую школу
Цюриха (известную также как ETH, или ETHZ) в Цюрихе,
где получил диплом инженера.
В своем творчестве Калатрава испытал влияние Ле Корбюзье.
В 1981 году Калатрава открыл свою мастерскую в Цюрихе,
причем работал и как архитектор, и как инженер. Его первым
проектом стал ангар завода компании Jakem в швейцарском
Мунхвиллене (1983—1985). В 1989 году открыл филиал своего бюро в Париже.
В 2012 году в Эрмитаже прошла персональная выставка Калатравы, ставшая самой посещаемой архитектурной выставкой 2012 года в мире по версии «The Art Newspaper».
За свои 66 лет жизни он реализовал больше 70 архитектурных объектов, многие из которых становятся символами притяжения в тех городах, где они построены.
Неудивительно, что в 2005 году он был включен в список журнала Time «ТОП-100 самых влиятельных людей мира». Окончательно в статусе топа Калатрава утвердился после летней Олимпиады в Барселоне. Его проект телевизионной вышки в этом городе принёс невероятную популярность и череду заказов, которые не прекращаются и по сей день. Калатрава вернул моду на органическую архитектуру, его считают лучшим последователем великого Гауди.
Обоих объединяет не только гениальность и испанское происхождение, но и желание рассматривать архитектуру как часть окружающей среды.
Занимался в Школе архитектуры и в Школе искусств и ремёсел
при Политехническом университете (Universidad Politécnica
de Valencia) в родном городе. Окончив образование в 1975 году,
устроился на работу в Швейцарскую высшую техническую школу
Цюриха (известную также как ETH, или ETHZ) в Цюрихе,
где получил диплом инженера.
В своем творчестве Калатрава испытал влияние Ле Корбюзье.
В 1981 году Калатрава открыл свою мастерскую в Цюрихе,
причем работал и как архитектор, и как инженер. Его первым
проектом стал ангар завода компании Jakem в швейцарском
Мунхвиллене (1983—1985). В 1989 году открыл филиал своего бюро в Париже.
В 2012 году в Эрмитаже прошла персональная выставка Калатравы, ставшая самой посещаемой архитектурной выставкой 2012 года в мире по версии «The Art Newspaper».
За свои 66 лет жизни он реализовал больше 70 архитектурных объектов, многие из которых становятся символами притяжения в тех городах, где они построены.
Неудивительно, что в 2005 году он был включен в список журнала Time «ТОП-100 самых влиятельных людей мира». Окончательно в статусе топа Калатрава утвердился после летней Олимпиады в Барселоне. Его проект телевизионной вышки в этом городе принёс невероятную популярность и череду заказов, которые не прекращаются и по сей день. Калатрава вернул моду на органическую архитектуру, его считают лучшим последователем великого Гауди.
Обоих объединяет не только гениальность и испанское происхождение, но и желание рассматривать архитектуру как часть окружающей среды.
Сантьяго Калатрава родился 28 июля 1951 года в Валенсии. Занимался в Школе архитектуры и в Школе искусств и ремёсел при Политехническом университете (Universidad Politécnica de Valencia) в родном городе. Окончив образование в 1975 году, устроился на работу в Швейцарскую высшую техническую школу Цюриха (известную также как ETH, или ETHZ) в Цюрихе, где получил диплом инженера.
В своем творчестве Калатрава испытал влияние Ле Корбюзье. В 1981 году Калатрава открыл свою мастерскую в Цюрихе, причем работал и как архитектор, и как инженер. Его первым проектом стал ангар завода компании Jakem в швейцарском Мунхвиллене (1983—1985). В 1989 году открыл филиал своего бюро в Париже.
В 2012 году в Эрмитаже прошла персональная выставка Калатравы, ставшая самой посещаемой архитектурной выставкой 2012 года в мире по версии «The Art Newspaper».
За свои 66 лет жизни он реализовал больше 70 архитектурных объектов, многие из которых становятся символами притяжения в тех городах, где они построены.
Неудивительно, что в 2005 году он был включен в список журнала Time «ТОП-100 самых влиятельных людей мира».Окончательно в статусе топа Калатрава утвердился после летней Олимпиады в Барселоне.
Его проект телевизионной вышки в этом городе принёс невероятную популярность и череду заказов, которые не прекращаются и по сей день.
Калатрава вернул моду на органическую архитектуру, его считают лучшим последователем великого Гауди.
Обоих объединяет не только гениальность и испанское происхождение, но и желание рассматривать архитектуру как часть окружающей среды.
В своем творчестве Калатрава испытал влияние Ле Корбюзье. В 1981 году Калатрава открыл свою мастерскую в Цюрихе, причем работал и как архитектор, и как инженер. Его первым проектом стал ангар завода компании Jakem в швейцарском Мунхвиллене (1983—1985). В 1989 году открыл филиал своего бюро в Париже.
В 2012 году в Эрмитаже прошла персональная выставка Калатравы, ставшая самой посещаемой архитектурной выставкой 2012 года в мире по версии «The Art Newspaper».
За свои 66 лет жизни он реализовал больше 70 архитектурных объектов, многие из которых становятся символами притяжения в тех городах, где они построены.
Неудивительно, что в 2005 году он был включен в список журнала Time «ТОП-100 самых влиятельных людей мира».Окончательно в статусе топа Калатрава утвердился после летней Олимпиады в Барселоне.
Его проект телевизионной вышки в этом городе принёс невероятную популярность и череду заказов, которые не прекращаются и по сей день.
Калатрава вернул моду на органическую архитектуру, его считают лучшим последователем великого Гауди.
Обоих объединяет не только гениальность и испанское происхождение, но и желание рассматривать архитектуру как часть окружающей среды.
Самые известные проекты
Транспортный узел всемирного торгового центра, Нью-Йорк, США
Транспортный узел Всемирного торгового центра, Нью-Йорк, США
Художественный музей Милуоки, США
Национальный музей Валенсия, Испания
Мост Самюэля Беккета, Дублин, Ирландия
Мост Самюэля Беккета, Дублин, Ирландия
Дворец искусств королевы Софии, Валенсия, Испания
Башня Telefonica в Барселоне, Испания
Мост Аламильо в Севилье, Испания
Музей завтрашнего дня в Рио-де-Жанейро, Бразилия
Кампус Политехнического университета Флориды, США
Небоскреб в Мальме «Turning Torso»
Фрэнк Оуэн Гери (англ. Frank Owen Gehry, настоящее
имя Эфраим Оуэн Гольдберг, англ. Ephraim Owen Goldberg;
род. 28 февраля 1929, Торонто) — один из крупнейших
архитекторов современности, стоявший у истоков архитектурного
деконструктивизма. Родился в семье иммигрантов из Польши.
В 17 лет переехал в Лос-Анджелес, изучал архитектуру
в университете штата Южная Каролина, а после городское
планирование в Гарвардском университете. Начал заниматься
архитектурой в 1950-х, во время учебы в университете. Работал
в архитектурно-проектных бюро США, сначала он работал в бюро
Виктора Груэна. Виктор Груэн разрабатывал крупные торговые
центры и общественные пространства. Затем Фрэнк проработал
во Франции, в мастерской Андрэ Ремондэ.
В 1962 он вернулся в Лос-Анджелес и основал там собственную мастерскую «Frank O. Gehry and Associates», которая позже была преобразована в Gehry & Krueger Inc.
В течение 4 лет Фрэнк проектирует мебель из гофрокартона. Необычный материал и дизайн производят фурор. Мебель продаётся за 730 долларов при себестоимости 7 долларов.
В 1989 году Фрэнк Гери был удостоен Притцкеровской премии по архитектуре — аналог Нобелевской. А жюри назвало его «Пикассо архитектуры».
Он строит здания, к которым водят экскурсии, проектирует картонную мебель, не пользуется компьютерными программами, считает рыбу образом совершенства, а критикам показывает средний палец.
Постройки Гери наиболее узнаваемы среди всех архитекторов современности: изогнутые здания с искажёнными металлическими поверхностями и ломаными линиями. Не пытайтесь найти соотношение между видом здания и тем, что находится внутри. Генри нарочно рвёт связи между объектом и его смыслом, считая, что архитектура — это прежде всего искусство и самовыражение.
имя Эфраим Оуэн Гольдберг, англ. Ephraim Owen Goldberg;
род. 28 февраля 1929, Торонто) — один из крупнейших
архитекторов современности, стоявший у истоков архитектурного
деконструктивизма. Родился в семье иммигрантов из Польши.
В 17 лет переехал в Лос-Анджелес, изучал архитектуру
в университете штата Южная Каролина, а после городское
планирование в Гарвардском университете. Начал заниматься
архитектурой в 1950-х, во время учебы в университете. Работал
в архитектурно-проектных бюро США, сначала он работал в бюро
Виктора Груэна. Виктор Груэн разрабатывал крупные торговые
центры и общественные пространства. Затем Фрэнк проработал
во Франции, в мастерской Андрэ Ремондэ.
В 1962 он вернулся в Лос-Анджелес и основал там собственную мастерскую «Frank O. Gehry and Associates», которая позже была преобразована в Gehry & Krueger Inc.
В течение 4 лет Фрэнк проектирует мебель из гофрокартона. Необычный материал и дизайн производят фурор. Мебель продаётся за 730 долларов при себестоимости 7 долларов.
В 1989 году Фрэнк Гери был удостоен Притцкеровской премии по архитектуре — аналог Нобелевской. А жюри назвало его «Пикассо архитектуры».
Он строит здания, к которым водят экскурсии, проектирует картонную мебель, не пользуется компьютерными программами, считает рыбу образом совершенства, а критикам показывает средний палец.
Постройки Гери наиболее узнаваемы среди всех архитекторов современности: изогнутые здания с искажёнными металлическими поверхностями и ломаными линиями. Не пытайтесь найти соотношение между видом здания и тем, что находится внутри. Генри нарочно рвёт связи между объектом и его смыслом, считая, что архитектура — это прежде всего искусство и самовыражение.
Фрэнк Оуэн Гери (англ. Frank Owen Gehry, настоящее имя Эфраим Оуэн Гольдберг, англ. Ephraim Owen Goldberg; род. 28 февраля 1929, Торонто) — один из крупнейших архитекторов современности, стоявший у истоков архитектурного деконструктивизма. Родился в семье иммигрантов из Польши. В 17 лет переехал в Лос-Анджелес, изучал архитектуру в университете штата Южная Каролина, а после городское планирование в Гарвардском университете. Начал заниматься архитектурой в 1950-х, во время учебы в университете. Работал в архитектурно-проектных бюро США, сначала он работал в бюро Виктора Груэна. Виктор Груэн разрабатывал крупные торговые центры и общественные пространства. Затем Фрэнк проработал во Франции, в мастерской Андрэ Ремондэ.
В 1962 он вернулся в Лос-Анджелес и основал там собственную мастерскую «Frank O. Gehry and Associates», которая позже была преобразована в Gehry & Krueger Inc.
В течение 4 лет Фрэнк проектирует мебель из гофрокартона. Необычный материал и дизайн производят фурор. Мебель продаётся за 730 долларов при себестоимости 7 долларов.
В 1989 году Фрэнк Гери был удостоен Притцкеровской премии по архитектуре — аналог Нобелевской. А жюри назвало его «Пикассо архитектуры».
Он строит здания, к которым водят экскурсии, проектирует картонную мебель, не пользуется компьютерными программами, считает рыбу образом совершенства, а критикам показывает средний палец.
Постройки Гери наиболее узнаваемы среди всех архитекторов современности: изогнутые здания с искажёнными металлическими поверхностями и ломаными линиями. Не пытайтесь найти соотношение между видом здания и тем, что находится внутри. Генри нарочно рвёт связи между объектом и его смыслом, считая, что архитектура — это прежде всего искусство и самовыражение.
В 1962 он вернулся в Лос-Анджелес и основал там собственную мастерскую «Frank O. Gehry and Associates», которая позже была преобразована в Gehry & Krueger Inc.
В течение 4 лет Фрэнк проектирует мебель из гофрокартона. Необычный материал и дизайн производят фурор. Мебель продаётся за 730 долларов при себестоимости 7 долларов.
В 1989 году Фрэнк Гери был удостоен Притцкеровской премии по архитектуре — аналог Нобелевской. А жюри назвало его «Пикассо архитектуры».
Он строит здания, к которым водят экскурсии, проектирует картонную мебель, не пользуется компьютерными программами, считает рыбу образом совершенства, а критикам показывает средний палец.
Постройки Гери наиболее узнаваемы среди всех архитекторов современности: изогнутые здания с искажёнными металлическими поверхностями и ломаными линиями. Не пытайтесь найти соотношение между видом здания и тем, что находится внутри. Генри нарочно рвёт связи между объектом и его смыслом, считая, что архитектура — это прежде всего искусство и самовыражение.
Самые известные проекты
Отель Marqués de Riscal в Эльсиего, Испания
Отель Marqués de Riscal в Эльсиего, Испания
Концертный зал Уолта Диснея, США
Музей поп-культуры, Сиэттл, США
Башня Бикмена в Нью-Йорке, США
Музей Louis Vuitton в Париже, Франция
Музей Louis Vuitton в Париже, Франция
Скульптура над Олимпийским павильоном в Барселоне, Испания
Музей Гуггенхайма в Бильбао, Испания
Художественный музей в Миннеаполисе, США
Танцующий дом, Прага, Чехия
Центр здоровья мозга Лу Руво в Лас-Вегасе, США
Хьюго Алвар Хенрик Аалто (3 февраля 1898 года — 11 мая 1976)
— финский архитектор и дизайнер. Его работы включают
архитектуру, мебель, текстиль и стеклянную посуду, а также
скульптуры и картины. Он никогда не считал себя художником,
рассматривая живопись и скульптуру как «ветви дерева, стволом
которого является архитектура". Ранняя карьера Аалто проходила
параллельно с быстрым экономическим ростом и
индустриализацией Финляндии в первой половине 20 века.
Многие из его клиентов были промышленниками, среди них
семья Альстрем-Гуллихсен, которые стали его покровителями.
Период его карьеры, с 1920-х по 1970-е годы, отражен в стилях
его творчества, начиная от нордического классицизма ранних
работ, до рационального интернационального стиля модернизма 1930-х и более органичного модернистского стиля 1940-х годов.
Его архитектурные работы на протяжении всей его карьеры характеризуются заботой о дизайне как Gesamtkunstwerk — целостном произведении искусства, в котором он вместе со своей первой женой Айно Аалто проектировал не только здание, но и внутренние поверхности, мебель, светильники и стеклянную посуду. Его дизайн мебели считается скандинавским модерном, эстетика которого отражается в их элегантном упрощении и бережном отношении к материалам, особенно к дереву, а также в технических инновациях Аалто, которые привели его к получению патентов на различные производственные процессы, например, на те, которые используются для производства гнутой древесины. Как дизайнер он известен как предтеча модернизма середины века в дизайне; его изобретение мебели из гнутой фанеры оказало глубокое влияние на эстетику Чарльза и Рэя Имсов и Джорджа Нельсона. Музей Алвара Аалто, спроектированный самим Аалто, расположен в его родном городе Ювяскюля.
В записи о нём на веб-сайте Музея современного искусства отмечается его «замечательный синтез романтических и прагматичных идей».
Его работы отражают глубокое желание очеловечить архитектуру за счёт неортодоксального обращения с формами и материалами, которое было бы одновременно рациональным и интуитивно понятным. Под влиянием так называемого международного стиля модернизм (или функционализм, как его называли в Финляндии) и его знакомства с ведущими модернистами Европы, включая шведского архитектора Эрика Гуннара Асплунда и многих художников и архитекторов, связанных с Баухаузом, Аалто создал проекты, которые оказали глубокое влияние на траекторию развития модернизма до и после Второй мировой войны.
— финский архитектор и дизайнер. Его работы включают
архитектуру, мебель, текстиль и стеклянную посуду, а также
скульптуры и картины. Он никогда не считал себя художником,
рассматривая живопись и скульптуру как «ветви дерева, стволом
которого является архитектура". Ранняя карьера Аалто проходила
параллельно с быстрым экономическим ростом и
индустриализацией Финляндии в первой половине 20 века.
Многие из его клиентов были промышленниками, среди них
семья Альстрем-Гуллихсен, которые стали его покровителями.
Период его карьеры, с 1920-х по 1970-е годы, отражен в стилях
его творчества, начиная от нордического классицизма ранних
работ, до рационального интернационального стиля модернизма 1930-х и более органичного модернистского стиля 1940-х годов.
Его архитектурные работы на протяжении всей его карьеры характеризуются заботой о дизайне как Gesamtkunstwerk — целостном произведении искусства, в котором он вместе со своей первой женой Айно Аалто проектировал не только здание, но и внутренние поверхности, мебель, светильники и стеклянную посуду. Его дизайн мебели считается скандинавским модерном, эстетика которого отражается в их элегантном упрощении и бережном отношении к материалам, особенно к дереву, а также в технических инновациях Аалто, которые привели его к получению патентов на различные производственные процессы, например, на те, которые используются для производства гнутой древесины. Как дизайнер он известен как предтеча модернизма середины века в дизайне; его изобретение мебели из гнутой фанеры оказало глубокое влияние на эстетику Чарльза и Рэя Имсов и Джорджа Нельсона. Музей Алвара Аалто, спроектированный самим Аалто, расположен в его родном городе Ювяскюля.
В записи о нём на веб-сайте Музея современного искусства отмечается его «замечательный синтез романтических и прагматичных идей».
Его работы отражают глубокое желание очеловечить архитектуру за счёт неортодоксального обращения с формами и материалами, которое было бы одновременно рациональным и интуитивно понятным. Под влиянием так называемого международного стиля модернизм (или функционализм, как его называли в Финляндии) и его знакомства с ведущими модернистами Европы, включая шведского архитектора Эрика Гуннара Асплунда и многих художников и архитекторов, связанных с Баухаузом, Аалто создал проекты, которые оказали глубокое влияние на траекторию развития модернизма до и после Второй мировой войны.
Хьюго Алвар Хенрик Аалто (3 февраля 1898 года — 11 мая 1976) — финский архитектор и дизайнер. Его работы включают архитектуру, мебель, текстиль и стеклянную посуду, а также скульптуры и картины. Он никогда не считал себя художником, рассматривая живопись и скульптуру как «ветви дерева, стволом которого является архитектура». Ранняя карьера Аалто проходила параллельно с быстрым экономическим ростом и индустриализацией Финляндии в первой половине 20 века. Многие из его клиентов были промышленниками, среди них семья Альстрем-Гуллихсен, которые стали его покровителями. Период его карьеры, с 1920-х по 1970-е годы, отражен в стилях его творчества, начиная от нордического классицизма ранних работ, до рационального интернационального стиля модернизма 1930-х и более органичного модернистского стиля 1940-х годов.
Его архитектурные работы на протяжении всей его карьеры характеризуются заботой о дизайне как Gesamtkunstwerk — целостном произведении искусства, в котором он вместе со своей первой женой Айно Аалто проектировал не только здание, но и внутренние поверхности, мебель, светильники и стеклянную посуду. Его дизайн мебели считается скандинавским модерном, эстетика которого отражается в их элегантном упрощении и бережном отношении к материалам, особенно к дереву, а также в технических инновациях Аалто, которые привели его к получению патентов на различные производственные процессы, например, на те, которые используются для производства гнутой древесины. Как дизайнер он известен как предтеча модернизма середины века в дизайне; его изобретение мебели из гнутой фанеры оказало глубокое влияние на эстетику Чарльза и Рэя Имсов и Джорджа Нельсона. Музей Алвара Аалто, спроектированный самим Аалто, расположен в его родном городе Ювяскюля.
В записи о нём на веб-сайте Музея современного искусства отмечается его «замечательный синтез романтических и прагматичных идей».
Его работы отражают глубокое желание очеловечить архитектуру за счёт неортодоксального обращения с формами и материалами, которое было бы одновременно рациональным и интуитивно понятным. Под влиянием так называемого международного стиля модернизм (или функционализм, как его называли в Финляндии) и его знакомства с ведущими модернистами Европы, включая шведского архитектора Эрика Гуннара Асплунда и многих художников и архитекторов, связанных с Баухаузом, Аалто создал проекты, которые оказали глубокое влияние на траекторию развития модернизма до и после Второй мировой войны.
Его архитектурные работы на протяжении всей его карьеры характеризуются заботой о дизайне как Gesamtkunstwerk — целостном произведении искусства, в котором он вместе со своей первой женой Айно Аалто проектировал не только здание, но и внутренние поверхности, мебель, светильники и стеклянную посуду. Его дизайн мебели считается скандинавским модерном, эстетика которого отражается в их элегантном упрощении и бережном отношении к материалам, особенно к дереву, а также в технических инновациях Аалто, которые привели его к получению патентов на различные производственные процессы, например, на те, которые используются для производства гнутой древесины. Как дизайнер он известен как предтеча модернизма середины века в дизайне; его изобретение мебели из гнутой фанеры оказало глубокое влияние на эстетику Чарльза и Рэя Имсов и Джорджа Нельсона. Музей Алвара Аалто, спроектированный самим Аалто, расположен в его родном городе Ювяскюля.
В записи о нём на веб-сайте Музея современного искусства отмечается его «замечательный синтез романтических и прагматичных идей».
Его работы отражают глубокое желание очеловечить архитектуру за счёт неортодоксального обращения с формами и материалами, которое было бы одновременно рациональным и интуитивно понятным. Под влиянием так называемого международного стиля модернизм (или функционализм, как его называли в Финляндии) и его знакомства с ведущими модернистами Европы, включая шведского архитектора Эрика Гуннара Асплунда и многих художников и архитекторов, связанных с Баухаузом, Аалто создал проекты, которые оказали глубокое влияние на траекторию развития модернизма до и после Второй мировой войны.
Самые известные проекты
Дворец Конгрессов, Финляндия
Педагогический институт, Ювяскюля, Финляндия
Дом Алвара Аалто в Хельсинки, Финляндия
Библиотека в Выборге, Россия
Музей современного искусства в Ольборге, Дания
Церковь Риола в Вергато, Италия
Фрэнк Ллойд Райт (8.06.1867 — 9.04.1959) —
один из величайших архитекторов XX-го века, основоположник
«органической архитектуры» и принципа свободной планировки.
Создатель знаменитого «Дома над водопадом» (1939)
и нью-йоркского Музея Гуггенхайма (1959), автор более 20 книг
(среди них «Будущее архитектуры» и «Исчезающий город»),
Райт коренным образом изменил образ жилого дома, отказавшись
от эклектики в пользу геометрической простоты. Карьера
архитектора, скандализировавшего американское общество
перипетиями личной жизни (громкие разводы, финансовые
тяжбы и даже арест в середине 1920-х), полна взлетов и падений.
Пионер современного движения, оказавший огромное влияние
на становление функционализма в Европе, в Новом Свете он оставался архитектором-одиночкой. Впервые о Райте заговорили в 1910-м году, когда в Германии вышла серия его статей. Оказалось, молодой талант на другом конце Атлантики создаёт передовую архитектуру и решает планировочные задачи, над которыми бились тогда ведущие европейские архитекторы.
Большинство построек Фрэнка Ллойда Райта 1893−1910-х годов — это жилые дома, построенные для частных заказчиков в штате Иллинойс (здесь в 1894-м году Райт открыл собственное бюро). Они получили название «дома прерий»: невысокие объемы, вытянутые вдоль линии горизонта, вторят плоскому ландшафту Среднего Запада. Именно в этих постройках (Дом Уиллитса, 1902; Дом Кунли, 1908; Дом Роби, 1908) Райт впервые формулирует принципы «органической архитектуры», ставшей его творческим кредо: единство здания и природного окружения, архитектуры и интерьера.
Он задается целью освободить внутреннее пространство дома: вместо «комнат-коробочек» проектирует единое помещение с центральным очагом, для каждого заказа разрабатывает встроенную мебель, интегрирует системы отопления, водоснабжения и освещения в конструкцию здания, добиваясь абсолютного единства всех элементов. Целостность замысла должна проявляться во всем: «ковры на полу и занавески в такой же мере являются частями здания, как и штукатурка стен и черепица крыши», — писал архитектор. Обилие вещей, загромождающих пространство, Райт сравнивал с расстройством желудка. Идеалом архитектору служил традиционный японский дом, практически лишенный мебели (увлекаться культурой Японии Райт начал ещё в 1890-х годах, а в 1905 совершил первую поездку в эту страну).
Квинтэссенцией «органической архитектуры» и кульминацией творчества Фрэнка Ллойда Райта становится дом в Бир-Ран, Пенсильвания, выстроенный для предпринимателя Эдгара Кауфманна (1936−39). Гениальный проект, работу над которым Райт откладывал в течение нескольких месяцев, был создан за пару часов до приезда заказчика. Несмотря на нехватку времени, архитектор предусмотрел в эскизе каждую мелочь: не забыл даже скамейку, сидя на которой можно любоваться пейзажем! Дом решен в виде разноуровневых террас, нависающих над естественной скалой с водопадом. Их горизонтально-вытянутые объемы повторяют очертания каменной глыбы и создают впечатление, что дом — часть природного ландшафта.
В возрасте 70 лет неутомимый архитектор с женой и группой студентов отправляется в Аризону, где начинает строительство нового дома, получившего название Западный Тейлизин. Раскинувшийся посреди безлюдной пустыни, жилой комплекс стал не только зимней резиденцией Райтов, но и крупной архитектурной школой и мастерской. Программа обучения была нацелена на разностороннее развитие: студенты занимались ландшафтным дизайном, изучали искусство, литературу, музыку, организовывали приемы для заказчиков. Сейчас здесь расположен Фонд Фрэнка Ллойда Райта, занимающийся сохранением его наследия.
один из величайших архитекторов XX-го века, основоположник
«органической архитектуры» и принципа свободной планировки.
Создатель знаменитого «Дома над водопадом» (1939)
и нью-йоркского Музея Гуггенхайма (1959), автор более 20 книг
(среди них «Будущее архитектуры» и «Исчезающий город»),
Райт коренным образом изменил образ жилого дома, отказавшись
от эклектики в пользу геометрической простоты. Карьера
архитектора, скандализировавшего американское общество
перипетиями личной жизни (громкие разводы, финансовые
тяжбы и даже арест в середине 1920-х), полна взлетов и падений.
Пионер современного движения, оказавший огромное влияние
на становление функционализма в Европе, в Новом Свете он оставался архитектором-одиночкой. Впервые о Райте заговорили в 1910-м году, когда в Германии вышла серия его статей. Оказалось, молодой талант на другом конце Атлантики создаёт передовую архитектуру и решает планировочные задачи, над которыми бились тогда ведущие европейские архитекторы.
Большинство построек Фрэнка Ллойда Райта 1893−1910-х годов — это жилые дома, построенные для частных заказчиков в штате Иллинойс (здесь в 1894-м году Райт открыл собственное бюро). Они получили название «дома прерий»: невысокие объемы, вытянутые вдоль линии горизонта, вторят плоскому ландшафту Среднего Запада. Именно в этих постройках (Дом Уиллитса, 1902; Дом Кунли, 1908; Дом Роби, 1908) Райт впервые формулирует принципы «органической архитектуры», ставшей его творческим кредо: единство здания и природного окружения, архитектуры и интерьера.
Он задается целью освободить внутреннее пространство дома: вместо «комнат-коробочек» проектирует единое помещение с центральным очагом, для каждого заказа разрабатывает встроенную мебель, интегрирует системы отопления, водоснабжения и освещения в конструкцию здания, добиваясь абсолютного единства всех элементов. Целостность замысла должна проявляться во всем: «ковры на полу и занавески в такой же мере являются частями здания, как и штукатурка стен и черепица крыши», — писал архитектор. Обилие вещей, загромождающих пространство, Райт сравнивал с расстройством желудка. Идеалом архитектору служил традиционный японский дом, практически лишенный мебели (увлекаться культурой Японии Райт начал ещё в 1890-х годах, а в 1905 совершил первую поездку в эту страну).
Квинтэссенцией «органической архитектуры» и кульминацией творчества Фрэнка Ллойда Райта становится дом в Бир-Ран, Пенсильвания, выстроенный для предпринимателя Эдгара Кауфманна (1936−39). Гениальный проект, работу над которым Райт откладывал в течение нескольких месяцев, был создан за пару часов до приезда заказчика. Несмотря на нехватку времени, архитектор предусмотрел в эскизе каждую мелочь: не забыл даже скамейку, сидя на которой можно любоваться пейзажем! Дом решен в виде разноуровневых террас, нависающих над естественной скалой с водопадом. Их горизонтально-вытянутые объемы повторяют очертания каменной глыбы и создают впечатление, что дом — часть природного ландшафта.
В возрасте 70 лет неутомимый архитектор с женой и группой студентов отправляется в Аризону, где начинает строительство нового дома, получившего название Западный Тейлизин. Раскинувшийся посреди безлюдной пустыни, жилой комплекс стал не только зимней резиденцией Райтов, но и крупной архитектурной школой и мастерской. Программа обучения была нацелена на разностороннее развитие: студенты занимались ландшафтным дизайном, изучали искусство, литературу, музыку, организовывали приемы для заказчиков. Сейчас здесь расположен Фонд Фрэнка Ллойда Райта, занимающийся сохранением его наследия.
Фрэнк Ллойд Райт (8.06.1867 — 9.04.1959) — один из величайших архитекторов XX-го века, основоположник «органической архитектуры» и принципа свободной планировки.
Создатель знаменитого «Дома над водопадом» (1939) и нью-йоркского Музея Гуггенхайма (1959), автор более 20 книг (среди них «Будущее архитектуры» и «Исчезающий город»), Райт коренным образом изменил образ жилого дома, отказавшись от эклектики в пользу геометрической простоты. Карьера архитектора, скандализировавшего американское общество перипетиями личной жизни (громкие разводы, финансовые тяжбы и даже арест в середине 1920-х), полна взлетов и падений.
Пионер современного движения, оказавший огромное влияние на становление функционализма в Европе, в Новом Свете он оставался архитектором-одиночкой. Впервые о Райте заговорили в 1910-м году, когда в Германии вышла серия его статей. Оказалось, молодой талант на другом конце Атлантики создаёт передовую архитектуру и решает планировочные задачи, над которыми бились тогда ведущие европейские архитекторы.
Большинство построек Фрэнка Ллойда Райта 1893−1910-х годов — это жилые дома, построенные для частных заказчиков в штате Иллинойс (здесь в 1894-м году Райт открыл собственное бюро). Они получили название «дома прерий»: невысокие объемы, вытянутые вдоль линии горизонта, вторят плоскому ландшафту Среднего Запада. Именно в этих постройках (Дом Уиллитса, 1902; Дом Кунли, 1908; Дом Роби, 1908) Райт впервые формулирует принципы «органической архитектуры», ставшей его творческим кредо: единство здания и природного окружения, архитектуры и интерьера.
Он задается целью освободить внутреннее пространство дома: вместо «комнат-коробочек» проектирует единое помещение с центральным очагом, для каждого заказа разрабатывает встроенную мебель, интегрирует системы отопления, водоснабжения и освещения в конструкцию здания, добиваясь абсолютного единства всех элементов. Целостность замысла должна проявляться во всем: «ковры на полу и занавески в такой же мере являются частями здания, как и штукатурка стен и черепица крыши», — писал архитектор. Обилие вещей, загромождающих пространство, Райт сравнивал с расстройством желудка. Идеалом архитектору служил традиционный японский дом, практически лишенный мебели (увлекаться культурой Японии Райт начал ещё в 1890-х годах, а в 1905 совершил первую поездку в эту страну).
Квинтэссенцией «органической архитектуры» и кульминацией творчества Фрэнка Ллойда Райта становится дом в Бир-Ран, Пенсильвания, выстроенный для предпринимателя Эдгара Кауфманна (1936−39). Гениальный проект, работу над которым Райт откладывал в течение нескольких месяцев, был создан за пару часов до приезда заказчика. Несмотря на нехватку времени, архитектор предусмотрел в эскизе каждую мелочь: не забыл даже скамейку, сидя на которой можно любоваться пейзажем! Дом решен в виде разноуровневых террас, нависающих над естественной скалой с водопадом. Их горизонтально-вытянутые объемы повторяют очертания каменной глыбы и создают впечатление, что дом — часть природного ландшафта.
В возрасте 70 лет неутомимый архитектор с женой и группой студентов отправляется в Аризону, где начинает строительство нового дома, получившего название Западный Тейлизин. Раскинувшийся посреди безлюдной пустыни, жилой комплекс стал не только зимней резиденцией Райтов, но и крупной архитектурной школой и мастерской. Программа обучения была нацелена на разностороннее развитие: студенты занимались ландшафтным дизайном, изучали искусство, литературу, музыку, организовывали приемы для заказчиков. Сейчас здесь расположен Фонд Фрэнка Ллойда Райта, занимающийся сохранением его наследия.
Создатель знаменитого «Дома над водопадом» (1939) и нью-йоркского Музея Гуггенхайма (1959), автор более 20 книг (среди них «Будущее архитектуры» и «Исчезающий город»), Райт коренным образом изменил образ жилого дома, отказавшись от эклектики в пользу геометрической простоты. Карьера архитектора, скандализировавшего американское общество перипетиями личной жизни (громкие разводы, финансовые тяжбы и даже арест в середине 1920-х), полна взлетов и падений.
Пионер современного движения, оказавший огромное влияние на становление функционализма в Европе, в Новом Свете он оставался архитектором-одиночкой. Впервые о Райте заговорили в 1910-м году, когда в Германии вышла серия его статей. Оказалось, молодой талант на другом конце Атлантики создаёт передовую архитектуру и решает планировочные задачи, над которыми бились тогда ведущие европейские архитекторы.
Большинство построек Фрэнка Ллойда Райта 1893−1910-х годов — это жилые дома, построенные для частных заказчиков в штате Иллинойс (здесь в 1894-м году Райт открыл собственное бюро). Они получили название «дома прерий»: невысокие объемы, вытянутые вдоль линии горизонта, вторят плоскому ландшафту Среднего Запада. Именно в этих постройках (Дом Уиллитса, 1902; Дом Кунли, 1908; Дом Роби, 1908) Райт впервые формулирует принципы «органической архитектуры», ставшей его творческим кредо: единство здания и природного окружения, архитектуры и интерьера.
Он задается целью освободить внутреннее пространство дома: вместо «комнат-коробочек» проектирует единое помещение с центральным очагом, для каждого заказа разрабатывает встроенную мебель, интегрирует системы отопления, водоснабжения и освещения в конструкцию здания, добиваясь абсолютного единства всех элементов. Целостность замысла должна проявляться во всем: «ковры на полу и занавески в такой же мере являются частями здания, как и штукатурка стен и черепица крыши», — писал архитектор. Обилие вещей, загромождающих пространство, Райт сравнивал с расстройством желудка. Идеалом архитектору служил традиционный японский дом, практически лишенный мебели (увлекаться культурой Японии Райт начал ещё в 1890-х годах, а в 1905 совершил первую поездку в эту страну).
Квинтэссенцией «органической архитектуры» и кульминацией творчества Фрэнка Ллойда Райта становится дом в Бир-Ран, Пенсильвания, выстроенный для предпринимателя Эдгара Кауфманна (1936−39). Гениальный проект, работу над которым Райт откладывал в течение нескольких месяцев, был создан за пару часов до приезда заказчика. Несмотря на нехватку времени, архитектор предусмотрел в эскизе каждую мелочь: не забыл даже скамейку, сидя на которой можно любоваться пейзажем! Дом решен в виде разноуровневых террас, нависающих над естественной скалой с водопадом. Их горизонтально-вытянутые объемы повторяют очертания каменной глыбы и создают впечатление, что дом — часть природного ландшафта.
В возрасте 70 лет неутомимый архитектор с женой и группой студентов отправляется в Аризону, где начинает строительство нового дома, получившего название Западный Тейлизин. Раскинувшийся посреди безлюдной пустыни, жилой комплекс стал не только зимней резиденцией Райтов, но и крупной архитектурной школой и мастерской. Программа обучения была нацелена на разностороннее развитие: студенты занимались ландшафтным дизайном, изучали искусство, литературу, музыку, организовывали приемы для заказчиков. Сейчас здесь расположен Фонд Фрэнка Ллойда Райта, занимающийся сохранением его наследия.
Самые известные проекты
Комплекс «Талиесин», США
Дом над водопадом, Пенсильвания, США
Музей Соломона Гуггенхайма в Нью-Йорке, США
Дом Фредерика Роби, Чикаго, США
Дом Энниса, США
Дом Герберта Джекобса, США
Штаб-квартира Johnson Wax, США
Жан Нувель (фр. Jean Nouvel; род. 12 августа 1945, Фюмель,
Франция) — французский архитектор, лауреат Притцкеровской
премии 2008 года.
Жан Нувель родился в семье учителей. Сначала он хотел стать
художником, но родители хотели для сына более серьёзного
образования и он поступил на архитектурное отделение Высшей
школы изящных искусств в Бордо. В 1966 году он выиграл
стипендию и продолжил обучение в Высшей школе изящных
искусств в Париже. Незадолго до окончания учёбы он открыл
своё первое архитектурное бюро вместе с Франсуа Сеньором.
В 1976 году стал одним из основателей архитектурного движения «Марс 1976» и «Архитектурный синдикат».
Говоря о работах Нувеля критики отмечают, что он нарушил принципы модернизма и постмодернизма, создав собственный художественный язык. Иногда работы Нувеля определяют как французскую версию такого направления как хай-тек. Сам Нувель неоднократно подчёркивал, что считает себя современным архитектором. «Современность» он оценивал не как исторический стиль или изобразительную программу, а как перспективу и возможность движения вперед. Небоскрёбы в его исполнении перестают быть безликими серыми монстрами, а металлические холодные конструкции соседствуют с растительным миром. Свой стиль Жан определяет как «критическую архитектуру». Он неоднократно отмечал, что стиль не следует сводить к формальным признакам и формальному языку.
Нувель также разработал продукты и мебель, включая столовые приборы для Георга Йенсена в 2005 году, флакон для аромата Yves Saint Laurent ограниченной серии (L'Homme, 2008), а в 2012 году — коллекцию So So американского производителя мебели Emeco.
По слухам, в быту Нувель — очень простой и скромный человек, а из-за старых долгов всё его имущество ограничено лишь автомобилем Porsche. При этом, несмотря на свои левые взгляды, он является одним из самых дорогих мировых архитекторов: наряду с британцем Норманом Фостером, с конца 1980-х Нувель продаёт хай-тековую архитектуру как роскошь. Нувель является одним из столпов современной глобальной архитектуры и одновременно её главным критиком.
Франция) — французский архитектор, лауреат Притцкеровской
премии 2008 года.
Жан Нувель родился в семье учителей. Сначала он хотел стать
художником, но родители хотели для сына более серьёзного
образования и он поступил на архитектурное отделение Высшей
школы изящных искусств в Бордо. В 1966 году он выиграл
стипендию и продолжил обучение в Высшей школе изящных
искусств в Париже. Незадолго до окончания учёбы он открыл
своё первое архитектурное бюро вместе с Франсуа Сеньором.
В 1976 году стал одним из основателей архитектурного движения «Марс 1976» и «Архитектурный синдикат».
Говоря о работах Нувеля критики отмечают, что он нарушил принципы модернизма и постмодернизма, создав собственный художественный язык. Иногда работы Нувеля определяют как французскую версию такого направления как хай-тек. Сам Нувель неоднократно подчёркивал, что считает себя современным архитектором. «Современность» он оценивал не как исторический стиль или изобразительную программу, а как перспективу и возможность движения вперед. Небоскрёбы в его исполнении перестают быть безликими серыми монстрами, а металлические холодные конструкции соседствуют с растительным миром. Свой стиль Жан определяет как «критическую архитектуру». Он неоднократно отмечал, что стиль не следует сводить к формальным признакам и формальному языку.
Нувель также разработал продукты и мебель, включая столовые приборы для Георга Йенсена в 2005 году, флакон для аромата Yves Saint Laurent ограниченной серии (L'Homme, 2008), а в 2012 году — коллекцию So So американского производителя мебели Emeco.
По слухам, в быту Нувель — очень простой и скромный человек, а из-за старых долгов всё его имущество ограничено лишь автомобилем Porsche. При этом, несмотря на свои левые взгляды, он является одним из самых дорогих мировых архитекторов: наряду с британцем Норманом Фостером, с конца 1980-х Нувель продаёт хай-тековую архитектуру как роскошь. Нувель является одним из столпов современной глобальной архитектуры и одновременно её главным критиком.
Жан Нувель (фр. Jean Nouvel; род. 12 августа 1945, Фюмель, Франция) — французский архитектор, лауреат Притцкеровской премии 2008 года.
Жан Нувель родился в семье учителей. Сначала он хотел стать художником, но родители хотели для сына более серьёзного образования и он поступил на архитектурное отделение Высшей школы изящных искусств в Бордо. В 1966 году он выиграл стипендию и продолжил обучение в Высшей школе изящных искусств в Париже. Незадолго до окончания учёбы он открыл своё первое архитектурное бюро вместе с Франсуа Сеньором.
В 1976 году стал одним из основателей архитектурного движения «Марс 1976» и «Архитектурный синдикат».
Говоря о работах Нувеля критики отмечают, что он нарушил принципы модернизма и постмодернизма, создав собственный художественный язык. Иногда работы Нувеля определяют как французскую версию такого направления как хай-тек. Сам Нувель неоднократно подчёркивал, что считает себя современным архитектором. «Современность» он оценивал не как исторический стиль или изобразительную программу, а как перспективу и возможность движения вперед. Небоскрёбы в его исполнении перестают быть безликими серыми монстрами, а металлические холодные конструкции соседствуют с растительным миром. Свой стиль Жан определяет как «критическую архитектуру». Он неоднократно отмечал, что стиль не следует сводить к формальным признакам и формальному языку.
Нувель также разработал продукты и мебель, включая столовые приборы для Георга Йенсена в 2005 году, флакон для аромата Yves Saint Laurent ограниченной серии (L'Homme, 2008), а в 2012 году - коллекцию So So американского производителя мебели Emeco.
По слухам, в быту Нувель — очень простой и скромный человек, а из-за старых долгов всё его имущество ограничено лишь автомобилем Porsche. При этом, несмотря на свои левые взгляды, он является одним из самых дорогих мировых архитекторов: наряду с британцем Норманом Фостером, с конца 1980-х Нувель продаёт хай-тековую архитектуру как роскошь. Нувель является одним из столпов современной глобальной архитектуры и одновременно её главным критиком.
Жан Нувель родился в семье учителей. Сначала он хотел стать художником, но родители хотели для сына более серьёзного образования и он поступил на архитектурное отделение Высшей школы изящных искусств в Бордо. В 1966 году он выиграл стипендию и продолжил обучение в Высшей школе изящных искусств в Париже. Незадолго до окончания учёбы он открыл своё первое архитектурное бюро вместе с Франсуа Сеньором.
В 1976 году стал одним из основателей архитектурного движения «Марс 1976» и «Архитектурный синдикат».
Говоря о работах Нувеля критики отмечают, что он нарушил принципы модернизма и постмодернизма, создав собственный художественный язык. Иногда работы Нувеля определяют как французскую версию такого направления как хай-тек. Сам Нувель неоднократно подчёркивал, что считает себя современным архитектором. «Современность» он оценивал не как исторический стиль или изобразительную программу, а как перспективу и возможность движения вперед. Небоскрёбы в его исполнении перестают быть безликими серыми монстрами, а металлические холодные конструкции соседствуют с растительным миром. Свой стиль Жан определяет как «критическую архитектуру». Он неоднократно отмечал, что стиль не следует сводить к формальным признакам и формальному языку.
Нувель также разработал продукты и мебель, включая столовые приборы для Георга Йенсена в 2005 году, флакон для аромата Yves Saint Laurent ограниченной серии (L'Homme, 2008), а в 2012 году - коллекцию So So американского производителя мебели Emeco.
По слухам, в быту Нувель — очень простой и скромный человек, а из-за старых долгов всё его имущество ограничено лишь автомобилем Porsche. При этом, несмотря на свои левые взгляды, он является одним из самых дорогих мировых архитекторов: наряду с британцем Норманом Фостером, с конца 1980-х Нувель продаёт хай-тековую архитектуру как роскошь. Нувель является одним из столпов современной глобальной архитектуры и одновременно её главным критиком.
Самые известные проекты
Парижская филармония, Франция
Башня Торре Агбар в Барселоне, Испания
Немавс Ним, Франция
Институт арабского мира в Париже, Франция
Тур Дуэт в Париже, Франция
Отель Пуэрта Америка в Мадриде, Испания
Театр Гатри в Миннеаполисе, США
Национальный музей Катара
One Central Park в Сиднее, Австралия
Лувр Абу-Даби, ОАЭ
Константина Мельникова считают архитектором будущего,
советским Гауди, который каждый свой проект начинал заново,
избегая повторений и копирований даже самого себя.
Его творениями восхищался весь мир, а на родине их подвергали
жёсткой критике.
Константин Степанович родился в конце XIX века — летом
1890 года. Он был выходцем из рабоче-крестьянской семьи.
Свою творческую деятельность начал с работы помощником
в инженерной фирме «Залесский и Чаплин». Один из владельцев
фирмы усмотрел в тринадцатилетнем мальчишке талант
проектирования, предложил его развивать и даже пригласил
для этого преподавателя по рисованию. Это помогло юному Мельникову поступить в Московское училище живописи, ваяния и зодчества и с успехом его окончить.
Ещё во время обучения Мельников разрабатывал фасады для автомобильного завода АМО (сейчас — ЗИЛ). А после выпуска из училища ваяния и зодчества трудился в мастерской Моссовета под руководством Ивана Жолтовского и Алексея Щусева. Здесь начинающий архитектор совместно с другими мастерами создавал план застройки и реконструкции Москвы.
Постепенно архитектор сформировал свой собственный новаторский стиль, чем и сделал себе имя. Как и многие авангардисты, он отказался от традиционных архитектурных школ и направлений и сосредоточился на поиске новых способов выражения. Константин Мельников создавал причудливые формы, комбинировал материалы, играл с пространством и светом, а многие его проекты опережали технические возможности своего времени. Его работы сложно причислить к какому-то определённому направлению модернизма, он стал создателем новой эстетики архитектурного пространства.
К началу 1930-х имя Мельникова было известно практически во всём мире. Он уже успел стать участником международных архитектурных выставок в Варшаве и Нью-Йорке, выставить собственную экспозицию на V Триеннале декоративных искусств в Милане и спроектировать кинетический памятник-маяк Колумбу в Санто-Доминго.
По его проектам возводят целых пять клубов в Москве и один в Подмосковье, строят ряд гаражей, где автобусы могут парковаться и выезжать, не используя задний ход.
При этом в СССР работы Константина Мельникова считали фантастическими и критиковали за радикальность идей. Вот что пишут о нём в газете «Комсомольская правда» за 1936 год: «Самое болезненное средневековое воображение, самые мрачные фантазии Босха бледнеют перед творениями архитектора Мельникова». Его обвиняли в безыдейном новаторстве, индивидуализме и трюкачестве, что не может соотноситься со званием передового советского архитектора, и даже на несколько лет отлучили от профессии. Однако даже в таких условиях из всех архитекторов авангарда Константин Степанович Мельников сумел реализовать наибольшее количество работ.
Большая часть его идей так и осталась планами на бумаге и не покинула стен мастерской. Но некоторые проекты были успешно реализованы и до сих пор украшают улицы Москвы.
В 1951 году Мельников был переведён в Московский инженерно-строительный институт им. Куйбышева (МИСИ), где он преподавал сначала на кафедре архитектуры, а затем начертательной геометрии и графики. В конце 1952 года Мельников был утверждён в звании профессора. Одним из учеников К. Мельникова в период его преподавания в МИСИ был А. Митта, ставший впоследствии известным российским режиссёром. В 1954 году Мельников участвует в двух открытых конкурсах — на монумент в честь 300-летия воссоединения Украины с Россией в Москве и на Пантеон выдающихся деятелей государства. Это был период, когда тенденции неоакадемизма в советской архитектуре достигли апогея, и оба проекта Мельникова остались практически незамеченными.
В 1958 году К. С. Мельников перешёл из МИСИ во Всесоюзный заочный инженерно-строительный институт (ВЗИСИ), где проработал до последних дней, преподавая архитектурное проектирование, начертательную геометрию и графику. В том же году архитектор участвует в открытом конкурсе на проект Дворца Советов в Москве. Проект Мельникова вызвал в архитектурных кругах резкий протест — инерция отношения к нему как к формалисту ещё не была преодолена.
В 1965 году Мельникову без защиты диссертации присваивается учёная степень доктора архитектуры, а в 1972 году — почётное звание заслуженного архитектора РСФСР.
советским Гауди, который каждый свой проект начинал заново,
избегая повторений и копирований даже самого себя.
Его творениями восхищался весь мир, а на родине их подвергали
жёсткой критике.
Константин Степанович родился в конце XIX века — летом
1890 года. Он был выходцем из рабоче-крестьянской семьи.
Свою творческую деятельность начал с работы помощником
в инженерной фирме «Залесский и Чаплин». Один из владельцев
фирмы усмотрел в тринадцатилетнем мальчишке талант
проектирования, предложил его развивать и даже пригласил
для этого преподавателя по рисованию. Это помогло юному Мельникову поступить в Московское училище живописи, ваяния и зодчества и с успехом его окончить.
Ещё во время обучения Мельников разрабатывал фасады для автомобильного завода АМО (сейчас — ЗИЛ). А после выпуска из училища ваяния и зодчества трудился в мастерской Моссовета под руководством Ивана Жолтовского и Алексея Щусева. Здесь начинающий архитектор совместно с другими мастерами создавал план застройки и реконструкции Москвы.
Постепенно архитектор сформировал свой собственный новаторский стиль, чем и сделал себе имя. Как и многие авангардисты, он отказался от традиционных архитектурных школ и направлений и сосредоточился на поиске новых способов выражения. Константин Мельников создавал причудливые формы, комбинировал материалы, играл с пространством и светом, а многие его проекты опережали технические возможности своего времени. Его работы сложно причислить к какому-то определённому направлению модернизма, он стал создателем новой эстетики архитектурного пространства.
К началу 1930-х имя Мельникова было известно практически во всём мире. Он уже успел стать участником международных архитектурных выставок в Варшаве и Нью-Йорке, выставить собственную экспозицию на V Триеннале декоративных искусств в Милане и спроектировать кинетический памятник-маяк Колумбу в Санто-Доминго.
По его проектам возводят целых пять клубов в Москве и один в Подмосковье, строят ряд гаражей, где автобусы могут парковаться и выезжать, не используя задний ход.
При этом в СССР работы Константина Мельникова считали фантастическими и критиковали за радикальность идей. Вот что пишут о нём в газете «Комсомольская правда» за 1936 год: «Самое болезненное средневековое воображение, самые мрачные фантазии Босха бледнеют перед творениями архитектора Мельникова». Его обвиняли в безыдейном новаторстве, индивидуализме и трюкачестве, что не может соотноситься со званием передового советского архитектора, и даже на несколько лет отлучили от профессии. Однако даже в таких условиях из всех архитекторов авангарда Константин Степанович Мельников сумел реализовать наибольшее количество работ.
Большая часть его идей так и осталась планами на бумаге и не покинула стен мастерской. Но некоторые проекты были успешно реализованы и до сих пор украшают улицы Москвы.
В 1951 году Мельников был переведён в Московский инженерно-строительный институт им. Куйбышева (МИСИ), где он преподавал сначала на кафедре архитектуры, а затем начертательной геометрии и графики. В конце 1952 года Мельников был утверждён в звании профессора. Одним из учеников К. Мельникова в период его преподавания в МИСИ был А. Митта, ставший впоследствии известным российским режиссёром. В 1954 году Мельников участвует в двух открытых конкурсах — на монумент в честь 300-летия воссоединения Украины с Россией в Москве и на Пантеон выдающихся деятелей государства. Это был период, когда тенденции неоакадемизма в советской архитектуре достигли апогея, и оба проекта Мельникова остались практически незамеченными.
В 1958 году К. С. Мельников перешёл из МИСИ во Всесоюзный заочный инженерно-строительный институт (ВЗИСИ), где проработал до последних дней, преподавая архитектурное проектирование, начертательную геометрию и графику. В том же году архитектор участвует в открытом конкурсе на проект Дворца Советов в Москве. Проект Мельникова вызвал в архитектурных кругах резкий протест — инерция отношения к нему как к формалисту ещё не была преодолена.
В 1965 году Мельникову без защиты диссертации присваивается учёная степень доктора архитектуры, а в 1972 году — почётное звание заслуженного архитектора РСФСР.
Константина Мельникова считают архитектором будущего, советским Гауди, который каждый свой проект начинал заново, избегая повторений и копирований даже самого себя. Его творениями восхищался весь мир, а на родине их подвергали жёсткой критике.
Константин Степанович родился в конце XIX века — летом 1890 года. Он был выходцем из рабоче-крестьянской семьи. Свою творческую деятельность начал с работы помощником в инженерной фирме «Залесский и Чаплин». Один из владельцев фирмы усмотрел в тринадцатилетнем мальчишке талант проектирования, предложил его развивать и даже пригласил для этого преподавателя по рисованию. Это помогло юному Мельникову поступить в Московское училище живописи, ваяния и зодчества и с успехом его окончить.
Ещё во время обучения Мельников разрабатывал фасады для автомобильного завода АМО (сейчас — ЗИЛ). А после выпуска из училища ваяния и зодчества трудился в мастерской Моссовета под руководством Ивана Жолтовского и Алексея Щусева. Здесь начинающий архитектор совместно с другими мастерами создавал план застройки и реконструкции Москвы.
Постепенно архитектор сформировал свой собственный новаторский стиль, чем и сделал себе имя. Как и многие авангардисты, он отказался от традиционных архитектурных школ и направлений и сосредоточился на поиске новых способов выражения. Константин Мельников создавал причудливые формы, комбинировал материалы, играл с пространством и светом, а многие его проекты опережали технические возможности своего времени. Его работы сложно причислить к какому-то определённому направлению модернизма, он стал создателем новой эстетики архитектурного пространства.
К началу 1930-х имя Мельникова было известно практически во всём мире. Он уже успел стать участником международных архитектурных выставок в Варшаве и Нью-Йорке, выставить собственную экспозицию на V Триеннале декоративных искусств в Милане и спроектировать кинетический памятник-маяк Колумбу в Санто-Доминго.
По его проектам возводят целых пять клубов в Москве и один в Подмосковье, строят ряд гаражей, где автобусы могут парковаться и выезжать, не используя задний ход.
При этом в СССР работы Константина Мельникова считали фантастическими и критиковали за радикальность идей. Вот что пишут о нём в газете «Комсомольская правда» за 1936 год: «Самое болезненное средневековое воображение, самые мрачные фантазии Босха бледнеют перед творениями архитектора Мельникова». Его обвиняли в безыдейном новаторстве, индивидуализме и трюкачестве, что не может соотноситься со званием передового советского архитектора, и даже на несколько лет отлучили от профессии. Однако даже в таких условиях из всех архитекторов авангарда Константин Степанович Мельников сумел реализовать наибольшее количество работ.
Большая часть его идей так и осталась планами на бумаге и не покинула стен мастерской. Но некоторые проекты были успешно реализованы и до сих пор украшают улицы Москвы.
В 1951 году Мельников был переведён в Московский инженерно-строительный институт им. Куйбышева (МИСИ), где он преподавал сначала на кафедре архитектуры, а затем начертательной геометрии и графики. В конце 1952 года Мельников был утверждён в звании профессора. Одним из учеников К. Мельникова в период его преподавания в МИСИ был А. Митта, ставший впоследствии известным российским режиссёром. В 1954 году Мельников участвует в двух открытых конкурсах — на монумент в честь 300-летия воссоединения Украины с Россией в Москве и на Пантеон выдающихся деятелей государства. Это был период, когда тенденции неоакадемизма в советской архитектуре достигли апогея, и оба проекта Мельникова остались практически незамеченными.
В 1958 году К. С. Мельников перешёл из МИСИ во Всесоюзный заочный инженерно-строительный институт (ВЗИСИ), где проработал до последних дней, преподавая архитектурное проектирование, начертательную геометрию и графику. В том же году архитектор участвует в открытом конкурсе на проект Дворца Советов в Москве. Проект Мельникова вызвал в архитектурных кругах резкий протест — инерция отношения к нему как к формалисту ещё не была преодолена.
В 1965 году Мельникову без защиты диссертации присваивается учёная степень доктора архитектуры, а в 1972 году — почётное звание заслуженного архитектора РСФСР.
Константин Степанович родился в конце XIX века — летом 1890 года. Он был выходцем из рабоче-крестьянской семьи. Свою творческую деятельность начал с работы помощником в инженерной фирме «Залесский и Чаплин». Один из владельцев фирмы усмотрел в тринадцатилетнем мальчишке талант проектирования, предложил его развивать и даже пригласил для этого преподавателя по рисованию. Это помогло юному Мельникову поступить в Московское училище живописи, ваяния и зодчества и с успехом его окончить.
Ещё во время обучения Мельников разрабатывал фасады для автомобильного завода АМО (сейчас — ЗИЛ). А после выпуска из училища ваяния и зодчества трудился в мастерской Моссовета под руководством Ивана Жолтовского и Алексея Щусева. Здесь начинающий архитектор совместно с другими мастерами создавал план застройки и реконструкции Москвы.
Постепенно архитектор сформировал свой собственный новаторский стиль, чем и сделал себе имя. Как и многие авангардисты, он отказался от традиционных архитектурных школ и направлений и сосредоточился на поиске новых способов выражения. Константин Мельников создавал причудливые формы, комбинировал материалы, играл с пространством и светом, а многие его проекты опережали технические возможности своего времени. Его работы сложно причислить к какому-то определённому направлению модернизма, он стал создателем новой эстетики архитектурного пространства.
К началу 1930-х имя Мельникова было известно практически во всём мире. Он уже успел стать участником международных архитектурных выставок в Варшаве и Нью-Йорке, выставить собственную экспозицию на V Триеннале декоративных искусств в Милане и спроектировать кинетический памятник-маяк Колумбу в Санто-Доминго.
По его проектам возводят целых пять клубов в Москве и один в Подмосковье, строят ряд гаражей, где автобусы могут парковаться и выезжать, не используя задний ход.
При этом в СССР работы Константина Мельникова считали фантастическими и критиковали за радикальность идей. Вот что пишут о нём в газете «Комсомольская правда» за 1936 год: «Самое болезненное средневековое воображение, самые мрачные фантазии Босха бледнеют перед творениями архитектора Мельникова». Его обвиняли в безыдейном новаторстве, индивидуализме и трюкачестве, что не может соотноситься со званием передового советского архитектора, и даже на несколько лет отлучили от профессии. Однако даже в таких условиях из всех архитекторов авангарда Константин Степанович Мельников сумел реализовать наибольшее количество работ.
Большая часть его идей так и осталась планами на бумаге и не покинула стен мастерской. Но некоторые проекты были успешно реализованы и до сих пор украшают улицы Москвы.
В 1951 году Мельников был переведён в Московский инженерно-строительный институт им. Куйбышева (МИСИ), где он преподавал сначала на кафедре архитектуры, а затем начертательной геометрии и графики. В конце 1952 года Мельников был утверждён в звании профессора. Одним из учеников К. Мельникова в период его преподавания в МИСИ был А. Митта, ставший впоследствии известным российским режиссёром. В 1954 году Мельников участвует в двух открытых конкурсах — на монумент в честь 300-летия воссоединения Украины с Россией в Москве и на Пантеон выдающихся деятелей государства. Это был период, когда тенденции неоакадемизма в советской архитектуре достигли апогея, и оба проекта Мельникова остались практически незамеченными.
В 1958 году К. С. Мельников перешёл из МИСИ во Всесоюзный заочный инженерно-строительный институт (ВЗИСИ), где проработал до последних дней, преподавая архитектурное проектирование, начертательную геометрию и графику. В том же году архитектор участвует в открытом конкурсе на проект Дворца Советов в Москве. Проект Мельникова вызвал в архитектурных кругах резкий протест — инерция отношения к нему как к формалисту ещё не была преодолена.
В 1965 году Мельникову без защиты диссертации присваивается учёная степень доктора архитектуры, а в 1972 году — почётное звание заслуженного архитектора РСФСР.
Самые известные проекты
Мастерская-дом Константина Мельникова в Кривоарбатском переулке, Москва
Дом культуры им. И.В. Русакова
Дом культуры химиков завода Каучук
Клуб фабрики Свобода
Дом культуры им. С.М. Зуева
Клуб Дорогомиловского химического завода
Клуб Буревестник в Сокольниках
Гараж Госплана
Бахметьевский гараж
Гараж Интурист на Сущёвском валу